Un libro para esta noche

Reseñado por 0017

Ficha técnica

Título original: Tomorrowland

Año: 2015

Director: Brad Bird (Los Increíbles, Ratatouille, Misión Imposible: Protocolo Fantasma)

Guión: Brad Bird, Damon Lindelof

Música: Michael Giacchino

Fotografía: Claudio Miranda

Reparto

• George Clooney
• Britt Robertson
• Hugh Laurie
• Raffey Cassidy
• Thomas Robinson

El nuevo producto de la factoría Disney se llama Tomorrowland y tiene el nombre de un parque de atracciones. Al igual que Piratas del Caribe, del que sacaron la idea para uno de los más prolíficos planteamientos conceptuales del cine de los últimos años, el mundo imaginario mostrado en esta película se basa en una ciudad futurista concebida por el propio Walt Disney y conocida como EPCOT, que no llegó a erigirse como tal; si bien el concepto inicial fue derivando años después en un parque temático dedicado a la ciencia y la tecnología, se podría decir que ese espíritu soñador y científico se ha tomado como base para construir una canto a la ciencia y la tecnología, que aporta un poco de optimismo ante el futuro y deja de lado las fantasías distópicas y apocalípticas mil veces vistas, acerca del colapso del mundo occidental y la percepción de los adelantos científicos como nocivos para nuestro desarrollo. Por primera vez desde hace tiempo, la visión de una película es la de soñar con un futuro repleto de artilugios imposibles que nos faciliten la vida, igual que los visionarios del siglo XX que pensaban que el progreso puede significar grandes adelantos para la humanidad. Y ése es el principio de Tomorrowland, en el que se nos dice que soñar es bueno, que todo es posible si nos lo proponemos y que pueden más las buenas intenciones que las actitudes egoístas. Para ello se ha contratado a un Brad Bird que ya había llevado a la filial de Disney, Pixar, a los más altos estándares de calidad artística con Los Increíbles y Ratatouillie. El salto de la animación a las grandes superproducciones ya lo había dado con la cuarta entrega de Misión Imposible, consiguiendo mantener el tipo más o menos airoso en el género de acción. Sin embargo, a pesar de las críticas mixtas acerca de la calidad de Tomorrowland, en mi opinión aquí ya no tiene tanta suerte y acaba realizando un producto confuso y desigual, con muchas referencias visuales y argumentales a Disney y a la ciencia ficción clásica en general, pero que no acaba de enganchar del todo y podría suponer un batacazo en taquilla para la propia Disney, a juzgar por la afluencia de público que está teniendo en estas semanas desde su estreno. Y si le unimos el hecho de que está co-escrita por uno de los artífices de la serie “Perdidos”, Damon Lindelof, el delito por no saber enganchar adecuadamente al espectador es aún mayor.

¿Qué pasaría si existiese un mundo con los mejores y más visionarios inventores donde pudieran investigar y crear a su libre voluntad? Frank Walker es un niño inventor, con mucha imaginación, que llega a la Feria Mundial de la Ciencia de 1964 con el propósito de participar en un concurso de inventores. Allí conoce a Athena, una misteriosa niña que le ofrece la posibilidad de que su inventiva sirva para algo al enseñarle un secreto que muy pocos conocen. Unos cuantos años después, en la actualidad, tenemos a Casey, la optimista e inteligente hija de un ingeniero de la NASA que se opone al desmantelamiento del programa espacial mediante pequeños actos de sabotaje en la base de lanzamiento donde trabaja su padre. Esta actitud le acabará trayendo problemas al ser arrestada in fraganti en las instalaciones de la NASA. Al salir de la comisaría descubre entre sus objetos personales una misteriosa insignia que le abre la puerta a una realidad ubicada en un mundo futurista con una tecnología más allá de lo que podemos imaginar. Tras investigar por Internet, descubre que la insignia tiene el logotipo de la Feria Mundial de Nueva York de 1964, y que un adulto llamado Frank Walker tiene la clave acerca de ese sitio mágico llamado Tomorrowland, qué es y cómo llegar. La soñadora y optimista Casey chocará con el espíritu huraño de Frank, y la actitud de cada uno jugará un papel importante en el desarrollo de los acontecimientos y en el futuro de la humanidad, siendo Tomorrowland el sitio más adecuado para lograr que lo imposible se haga realidad.

En su planteamiento Tomorrowland es acertada. El trailer no muestra gran cosa y te deja con ganas de más, de saber qué hay detrás en ese argumento que mezcla intriga y soñadores a partes iguales. Y la primera mitad de la película no va por mal camino: una historia contada por medio de flashbacks, la amenaza de un mundo que se destruye, un paraíso futurista ubicado en otra dimensión, unos personajes atractivos, grandes actores tanto conocidos como noveles,… Y es que la aparición de George Clooney siempre es sinónimo de buen gusto. Y si le contraponemos a un Hugh Laurie tan reguñón como siempre, tenemos el duelo largamente esperado entre dos de los médicos de la TV más mediáticos de las últimas décadas. Luego están las chicas secundarias de la función, poco conocidas en la gran pantalla pero que derrochan una frescura bastante estimulante. Britt Robertson como la adolescente Casey le da la réplica de manera perfecta a Clooney, resultando pizpireta y alentadora a partes iguales. Y la aún más joven Raffey Cassidy como Athena llena la pantalla cada vez que sale, quizás algo estática -pero necesario para el papel que interpreta-.

El problema de todo es que a mitad de película la cinta no todavía no ha resuelto gran cosa de sus planteamientos. El argumento se va precipitando con una resolución cada vez más inverosímil y desaprovecha estos personajes bien planteados para perderse en ambiguos mensajes de optimismo. Valga como ejemplo la escena de la Torre Eiffel, tan forzada que no hay por donde cogerla. La historia entre Athena y Frank, con tantas aristas como uno pueda imaginar, acaba precipitándose con una torpe conclusión. La cinta llega hasta los 130 minutos pero comete el peor de los pecados que puede cometer una película, y en algún momento del metraje deja de enganchar y hace perder interés al espectador. Entre medias, nos quedamos con su optimismo desbordante y el toque Disney siempre inocente (aunque no tanto: los perseguidores de nuestros protagonistas no dudan en volatilizar a todos los que se interponen en su camino); el canto al futuro, a la nostalgia de la era espacial y a la tecnología soñadora como medio de avanzar como civilización. Aunque la manera de contar esto no sea tan brillante como correspondería a unos guionistas tan ilustres.

Calificación: Entretenida, sin más.

Lo Mejor: Unos actores magnéticos, tanto los consagrados como las jóvenes promesas.

Lo Peor: Que no sabe rematar lo que el realizador tiene entre manos.

La vería de nuevo: Puede.

La Recomiendo: Para aquellos irredentos pesimistas que piensen que el mundo no tiene solución.

Ficha en IMDB: http://www.imdb.com/title/tt1964418/combined

Tráiler en You Tube (español):

Reseñado por 0017

Ficha técnica

Título original: Mad Max: fury road

Año: 2015

Director: George Miller (Mad Max, Salvajes de autopista; Mad Max 2, el guerrero de la carretera; Mad Max 3, más allá de la cúpula del trueno; Las brujas de Eastwick; El aceite de la vida; Happy Feet)

Guión: George Miller, Brendan McCarthy, Nico Lathouris

Música: Junkie XL

Fotografía: John Seale

Reparto

• Tom Hardy
• Charlize Theron
• Nicholas Hoult
• Hugh Keays-Byrne
• Josh Helman

Cuando en 1979 George Miller tiró de ahorros para embarcarse en una película de serie B australiana, extraña y distópica (y con un desconocido Mel Gibson como protagonista) en poco podía intuirse el imaginario visual que estaba a punto de crear, y la influencia que tendría al vislumbrar un nuevo género en la ciencia ficción. La verdad es que siempre que la he veo no la llego a entender del todo; quizás porque me espero una explicación al argumento que nunca llega, quizás porque tienes en mente las sucesivas secuelas que llevan a otro nivel el futuro post-apocalíptico que sólo se esboza en la primera parte. Lo que está claro es que en “Salvajes de la autopista” no se da el argumento tan mascado como en “El Guerrero de la carretera”, lo que ayuda más al desconcierto del espectador. Pero el factor tiempo es muy importante a la hora de ayudar a que las obras de arte se fragüen y cristalicen, y la etiqueta de película de culto pronto apareció para que el festival de coches modificados, personajes estrambóticos vagando por el desierto y luchas por un combustible en las ruinas de la civilización se convirtiera en un referente del género. Es más, todavía resuena en la memoria el remedo fracasado de Kevin Costner en “Waterworld”, que trasladaba al entorno acuático situaciones y personajes. Sin embargo, tras unas películas como director en las que Miller ha intentado cambiar de registro meridianamente, aquí vuelve más de treinta años después con el personaje que le dio fama y elevó a la categoría de mito un género mil veces imitado, pocas veces superado.

La historia es conocida por todos: en el futuro los recursos naturales se agotarán y la civilización se colapsará ante la carencia de combustible con el que alimentar el progreso. La gente normal sucumbirá ante los desalmados que sean capaces de enfrentarse por un litro de gasolina, y empezarán a surgir tribus y bandas que heredarán la tierra. Los vehículos serán viejas glorias restauradas a base de piezas antiguas y recicladas, y es en este escenario en el que un antiguo policía (otrora padre de familia) conocido como Max vaga solitario por el desierto sobreviviendo como puede. Tras una persecución con una banda conocida como War Boys, un ejército privado de un líder tiránico conocido como Inmortan Joe, Max es apresado y custodiado como donante de sangre. Pero pronto cambian las cosas, y una subalterna de Inmortan Joe conocida como Imperiator furiosa, secuestra un camión que iba a repostar gasolina a la cercana ciudad de Gas Town. Dentro del camión huyen con Furiosa las esposas particulares de Inmortan Joe, un grupo de bellas mujeres dedicadas a la procreación con dicho líder, y todo el ejército de War Boys huye tras el convoy para evitar la fuga de semejante grupo de féminas. Max es atado al poste de uno de los vehículos de guerra y obligado a participar en la persecución a través del desierto, pero tras una tormenta de arena cambian las tornas y Max acabará uniéndose a Furiosa y ayudándola a huir de las garras de Inmortan Joe, en un viaje a través del desierto y de los últimos vestigios de lo que antes fue la civilización.

Y contra todo pronóstico de lo que supone retomar una saga que parecía que ya había dado todo lo que se podía esperar de ella, Miller ha vuelto a rizar el rizo para sacarse de la manga una de las mejores películas de acción de lo que llevamos de año. En vez de coger a un ajado Mel Gibson e inventarse una trama que justifique su edad, se ha preferido coger a un Tom Hardy que supera en tosquedad y juventud a aquél, y se vuelve al entorno argumental de la segunda parte para hacer una especie de reinterpretación de ésta. No se limita a volver a recoger situaciones y personajes que puedan sonar reiterados y redundantes, sino que se vuelven a redefinir conceptos en este universo apocalíptico y cruel, con una imaginería que es nueva pero a la vez que encaja con el mundo que ya habíamos visitado en los ochenta. Hasta el icónico V8 interceptor está presente para identificarnos y dar el relevo del personaje que vaga por el desierto huyendo de los demás y de sí mismo. La predilección de Miller por las escenas de acción tradicionales, alejadas de los efectos digitales actuales y las pantallas verdes que restan verosimilitud a la trama, se agradece a la hora de disfrutar de tanta persecución con vehículos estrambóticos sacados de su imaginación. Al igual que los personajes y la distintas jerarquías sociales que tienen en el argumento, cada uno con su lógica interna aplastante que les motiva la ejecución de sus actos, pero que no dejan de sorprender con todas las vueltas de tuerca que se saca el realizador de la manga para justificar un mundo tan loco y desequilibrado como el de Mad Max. Incluso el demente Inmortan Joe está interpretado por Hugh Keays-Byrne, el malvado Toecutter de la primera parte.

Mención especial merecen los personajes femeninos, en lo que se ha calificado de epopeya feminista como contraste a los trastornados personajes masculinos. En efecto, Charlize Theron y todas las demás chicas que completan el reparto están en otro nivel en lo que a sus contrapuntos masculinos representan. Ellos son decadentes, brutos y trastornados. Ellas no desmerecen en brutalidad y firmeza, son luchadoras y consistentes, pero con un plus esperanzador que las convierte en las verdaderas estrellas de la cinta.

Porque al final estos personajes femeninos es lo único reposado de la función. Todo lo demás es una paranoia sin descanso de persecuciones y una galería estrambótica de todo lo que se le pueda pasar por la cabeza a Miller. Resucita una saga que no cae en nostalgias baratas ni hace relecturas tediosas para el espectador. No hace falta un entendimiento exhaustivo de la trama, ni se pierde en explicaciones superfluas. Va al grano, y la película avanza aunque los coches estén parados. Los personajes hablan poco, pero entendemos perfectamente sus pretensiones. Y al final, como el propio Max, vemos como se hace a un lado para cederle el protagonismo a Furiosa sabedores de que él se retira para vivir nuevas aventuras en solitario. Como si fuera una premonición de próximas entregas que vendrán después de ésta. Sólo esperemos que tengan el músculo y la capacidad de ésta, treinta años después del origen de esta saga.

Calificación: Muy buena.

Lo Mejor: Su sentido del espectáculo

Lo Peor: Desquiciante por momentos

La vería de nuevo: Sí

La Recomiendo: Para fanáticos de paciencia ficción postapocalíptica.

Ficha en IMDB: http://www.imdb.com/title/tt1392190/

Tráiler en You Tube (español):

Reseñado por 0017

Ficha técnica

Título original: Spy Game

Año: 2001

Director: Tony Scott (Top Gun, Días de trueno, El último Boy Scout, Enemigo Público)

Guión: Michael Frost Beckner, David Arata

Música: Harry Gregson-Williams

Fotografía: Dan Mindel

Reparto

• Robert Redford
• Brad Pitt
• Catherine McCormack
• Stephen Dillane
• Larry Bryggman

Del tristemente fallecido director Tony Scott (y hermano del irregular Ridley) nos llegó en 2001 este estupendo thriller de espías que recuerdo perfectamente que disfruté en el cine y que se convirtió en una digna muestra de mi género cinematográfico favorito. Especializado en Blockbusters de estudio, no daba tanto en el clavo con sus películas como sí lo hacía su hermano (Blade Runner, Alien y Gladiador son obras maestras, a pesar de que luego el resto de su cinematografía no está a la altura), y se puede decir que ambos se han ido desinflando conforme fueron madurando en su filmografía. Sin embargo, estuvo realmente inspirado cuando hizo esta “Spy Game” en 2001 (y un poco antes “Enemigo Público”, aunque Will Smith fastidiara un poco la función), mostrándonos las cloacas del sistema, los despachos donde se toman las decisiones y los gerifaltes deciden con su pulgar la integridad de sus peones en función de la conveniencia política del momento. Con un ritmo endiablado, una unidad temporal irrefutable (la película se desarrolla en un día mientras se reconstruye la relación de los protagonistas y las últimas décadas de relaciones geopolíticas con flashbacks) y escenas de acción dosificadas (más que acción hay intriga, de esa que provoca taquicardias), Spy Game se ha convertido en un semi-clásico del género que da gusto revisitar de vez en cuando.

El veterano agente de la CIA Nathan Muir se encuentra en su último día de trabajo en la central de Langley, Virginia. Con una dilatada carrera profesional de décadas trabajando en el espionaje en medio mundo, se merece un retiro alejado de las intrigas políticas americanas. Pero justo este último día se entera de que ha sido capturado en una cárcel china realizando una misión no autorizada Tom Bishop, joven operativo que fue reclutado por el propio Muir en los setenta. Este incidente puede causar una grave ruptura en las relaciones diplomáticas con el país comunista, así que el gobierno está planteándose repudiar al agente y dejarle a su suerte, lo que supondría la ejecución en pocas horas. Muir es llamado a una reunión para que cuente la relación que le unía a Bishop, el modo en que le reclutó y las distintas operaciones que han vivido juntos a lo largo de las décadas, para que la cúpula de la CIA tenga algo de información acerca de en qué estaba Bishop metido por si mereciera la pena salvarle o no. A través de distintos flashbacks vemos su reclutamiento durante la guerra de Vietnam, su adiestramiento en el Berlín comunista en plena guerra fría, o las misiones más agridulces en el Beirut de los ochenta. Mientras que los jefes de Muir son reticentes a contarle toda la información por estar al borde de la jubilación y no concernirle en nada, éste se busca las maneras de enterarse de los pormenores de la situación tirando de contactos y antiguas amistades, a la vez que rememora sus sentimientos por el joven aprendiz y todas las enseñanzas que le enseñó para triunfar en una profesión que parece un juego, pero es mucho más peligroso de lo que parece.

Con una duración de algo más de dos horas y dos actores brillantísimos, tenemos una película que se pasa volando mientras vemos el duelo interpretativo de ambos. El argumento está plenamente integrado en el ritmo por la ya citada unidad temporal de la trama, y los momentos de tensión van apareciendo poco a poco en los momentos adecuados. El esbozo de los personajes resulta acertadísimo, ya que pocas veces se puede decir tanto de unos personajes por lo mostrado de manera implícita por la trama. Vemos al agente veterano intentando dar lecciones al aprendiz, enfadarse con él y no mostrar nunca la totalidad de sus cartas. Con un as en la manga, siempre oculta algo y nunca sabemos sus verdaderas intenciones ni la auténtica moralidad de sus actos. Es lo normal cuando alguien lleva tantos años en un negocio tan peligroso. Por el contrario, el joven interpretado por Pitt es impetuoso y arrogante, con buenas intenciones y demasiado inocente para el trabajo. La verdad es que están bien elegidos los actores para interpretar los papeles. El mayor defecto que le veo a la cinta es la dificultad para hacernos creer las escenas ambientadas en el pasado. La vejez de Redford no se disimula con unas simples patillas años setenta, y Brad Pitt parece que siempre lleva el mismo peinado pasen los años que pasen. Y es que hay efectos de maquillaje que no se consiguen ni a base de los mejores efectos especiales. Es por esto que los actores están muy bien elegidos, a pesar de la labor no muy lograda de maquillaje.

Pero si obviamos este detalle tendremos una intriga de la que Scott se despega de sus convencionales thrillers para ofrecernos mayor calidad de la que nos tiene acostumbrados. Con una crítica no tan velada a las cloacas de los servicios de inteligencia y a la política exterior de los USA, Spy Game es tremendamente divertida y rápida en su desarrollo, y eso es más de lo que nos ofrece la cartelera actual.

Calificación: Muy buena

Lo Mejor: El ritmo, la trama, los flashbacks, el duelo interpretativo Redford – Pitt

Lo Peor: El intento de hacernos creer que los protagonistas tienen varios años menos

La vería de nuevo: Sí

La Recomiendo: Sí

Ficha en IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0266987/

Tráiler en You Tube (español):