Archivo de la categoría: Puntuado

Película – Diamante de Sangre (Revisión)

diamante-de-sangre

Reseñado por 0017

Ficha técnica

Año: 2006

Director: Edward Zwick (Leyendas de Pasión, El Último Samurai, Resistencia, Amor y Otras Drogas)

Guión: Charles Leavitt

Música: James Newton Howard

Fotografía: Eduardo Serra

Reparto

  • Leonardo DiCaprio
  • Jennifer Connelly
  • Djimon Hounsou
  • Arnold Vosloo
  • Michael Sheen

Diamante de Sangre es una película de 2006 dirigida por Edward Zwick, director de Leyendas de Pasión y El Último Samurai. He querido escogerla como objeto de revisión dado que pasó semi inadvertida en su día y no es considerada por la mayoría de la crítica como una gran obra. Sin embargo, creo que es una pequeña joya del cine de aventuras ambientada en África con mensaje de denuncia humanitaria que no cae en sermones baratos, y que hizo que en su día Leonardo DiCaprio demostrara su carisma como actor para despegarse de la etiqueta de chico guapo que sólo presta su cara bonita en el taquillazo del momento. Fue con esta cinta y con algunos títulos de la época con los que maduró a nivel interpretativo, dándonos títulos de tanta calidad como Atrápame si puedes, Infiltrados, Shutter Island o la sobresaliente Origen.

Edward Zwick estaba en estado de gracia cuando rodó esta cinta. Ya había demostrado su capacidad de trabajo con ídolos multitudinarios de Hollywood en Leyendas de Pasión y El Último Samurai. En la primera, teníamos un vehículo para el lucimiento de Brad Pitt, en una película diseñada específicamente para provocar histeria en el público femenino. En la segunda, intentó profundizar en el mensaje y la trama con un Tom Cruise algo más guerrero de lo habitual, pero resultó excesivamente densa en el metraje y no fue difícil que acabara cayendo en el olvido. Sin embargo, dio en la diana cuando se decidió a dirigir y producir Diamante de Sangre. Supo superar los defectos de sus títulos anteriores para realizar una cinta de aventuras eminentemente divertida, ambientada en el peligroso y conflictivo África contemporáneo y con una denuncia social subyacente que hace que se tome en serio más que a otros títulos de evasión que pudieran parecer más mundanos y superficiales. La película optó a cinco premios Óscar en la ceremonia de 2007, incluyendo nominaciones al mejor actor y mejor actor secundario, pero no fructificó en ningún galardón.

La historia está ambientada en 1999, durante la década con el conflicto bélico que asoló Sierra Leona. El protagonista es Salomon, un pescador de una aldea que vive con su mujer y sus tres hijos, hasta que un día las fuerzas rebeldes atacan la aldea y masacran a sus habitantes. Su mujer consigue escapar con sus hijas, él es capturado y forzado a trabajar en las minas de diamantes, y su hijo es reclutado como parte de las terribles milicias infantiles, un ejército de niños soldados a los que les lavan el cerebro para cometer las mayores atrocidades en nombre de la rebelión. Por casualidad, Salomon descubre un diamante gigantesco, uno de esos que se ven raras veces y que le pueden cambiar la vida a su poseedor, y tras esconderlo, consigue escapar de los campos de trabajo forzados. Su camino se cruzará con el de Danny Archer, un buscavidas nacido en Rhodesia y antiguo militar del ejército sudafricano, que se dedica al tráfico de armas y diamantes como medio para salir algún día del continente africano y empezar una nueva vida. Por supuesto, cuando Archer se entere del descubrimiento del diamante de Solomon, intentará por todos los medios asociarse con él y buscarlo en las montañas de Sierra Leona. El caos producido cuando la capital, Freetown, sea tomada por las fuerzas rebeldes, les permitirá emprender la búsqueda; y la ayuda que recibirán de Maddy Bowen, una reportera de guerra americana que busca escribir el artículo definitivo sobre la catástrofe humanitaria en África, será clave para abrirse camino en medio de un país asolado por la guerra y el saqueo de los recursos naturales. Los humanitarios motivos que mueven a Maddy chocarán con la falta de escrúpulos de Archer por enriquecerse y con la obsesión de Solomon de encontrar a su familia. La mezcla de semejante conflicto de intereses desembocará en una búsqueda épica a través de un país desolado y peligroso. Pero incluso en este mundo apartado de Dios, donde la violencia más descarnada campa a sus anchas, todos aprenderán algo del resto, aunque sea la dificultad para dejar un continente donde hasta la tierra es de color rojizo, como metáfora de toda la sangre que se ha derramado a lo largo de su historia.

De esta película me gustan las aspiraciones con las que se mueve. Zwick ha realizado una cinta de aventuras con la acción dosificada y justa, nada de fantasmadas rodadas a golpe de presupuesto. El personaje de DiCaprio está muy bien perfilado, un ex-mercenario del ejército sudafricano que engaña más de lo que al principio parece. Uno puede pensar en un primer momento que interpretará el típico papel de norteamericano sobrado y vacilón, que al final se lleva a la chica y que está por encima del bien y del mal. Pero mientras va avanzando el metraje se nos va desvelando parte de su pasado y de sus motivaciones. Su actitud sigue siendo igual de cínica, sólo que ahora ya sabemos que tiene las mismas razones que el resto de la gente de color para considerarse africano, por haber nacido, crecido y luchado en el continente, mientras era apartado de su familia a temprana edad. Tiene los clichés típicos del anti-héroe egoista, para acabar redimiéndose al final y ser entronizado dentro de la categoría de la épica moderna (su foto en el reportaje de Maddy). Lo que digo, aquí DiCaprio empezaba ya a dar muestras de madurez confirmándose como uno de los grandes del sector, adecuado para cualquier tipo de papel.

La elección de Djimon Hounsou para el papel de Salomon también fue muy acertada puesto que borda el papel de pescador chabolista africano. Sus momentos de desesperación y rabia por todo lo que le han hecho a él y a su familia son totalmente creíbles. Nos transmite el drama diario de millones de familias africanas que se ven abocadas a emigrar por la conflictividad de sus países. El trío protagonista se completa con Jennifer Connelly, una actriz que cada vez que aparece en una cinta eleva la categoría actoral con su sola presencia, demostrando que el Óscar que ganó por Una Mente Maravillosa no fue casualidad. A uno le hace añorar más papeles suyos en el Hollywood actual, dado que la frescura que demuestra aquí como periodista nos hace preguntar porqué no cuentan con ella más directores para otros trabajos.

Como no podía ser de otra manera, estando rodada en África, en ocasiones la dirección de fotografía se centra en los preciosistas y variados paisajes que ofrece el continente, estando al nivel de Memorias de África. Hacía años que no veíamos una película donde pudiéramos decir que  se ha plasmado la belleza de África como en ninguna otra. La naturaleza en su esplendor, como contraposición a los momentos de crueldad que vivimos en las escenas de acción. La banda sonora con toques étnicos ayuda a la inmersión en los escenarios, la historia y la idiosincrasia de aquellos pueblos.

Todo ello da como resultado una película que se mueve perfectamente entre el género de aventuras y el cine con mensaje. En ningún momento da lecciones de moralidad ni es ingenua con el tema que trata. Sabemos que vivimos en un mundo con desigualdades, y muchas de éstas se sustentan con nuestro modo de vivir. Se denuncia el tema de los diamantes de sangre, aquéllos que financian conflictos  y que hace que se perpetúen los abismos que median entre el primer y el tercer mundo. Pero en ningún momento apela al buenrollismo ingenuo del espectador. Se buscan culpables, y como siempre, hay un malvado y avaricioso empresario occidental al que echarle la culpa. Pero no deja de insistir en que los países africanos tienen muchos culpables africanos en todos los estamentos, siendo el indígena de a pie el que acaba sufriendo todas las desigualdades del sistema. Y por muchos reportajes que se escriban en las revistas más glamorosas y concienciadas de occidente, poco se puede hacer desde la otra parte del mundo para cambiar un sistema que está corrupto desde sus mismos cimientos, si el cambio no empieza desde ellos mismos.

En definitiva, una cinta más que digna que pasó desapercibida en su estreno (o inmediatamente después de él) pero que merece rescatarse para disfrutarla un par de horas. Mucho mejor opción y mejor rodada que la mayoría de películas que inundan la cartelera, su trasfondo le da un aire de seriedad que hace que el espectador tenga motivos para la reflexión. Como dice un personaje: “no hay hombres buenos y malos, son los actos los que los definen”.

Calificación: Muy buena

Lo Mejor: La factura con que está rodada. Es solvente, es ágil, y el ritmo de la cinta no decae en ningún momento. Es la aventura en su estado más puro (con permiso del dr Jones), y la trama está sabiamente distribuida a lo largo de los acontecimientos que se van presentando.

Lo Peor: Que hay otros títulos peores que pasan menos inadvertidos que estas pequeñas maravillas del cine.

La vería de nuevo: Sí.

La Recomiendo: Sí, es una buena mezcla de cine de evasión con denuncia social.

Si quieres comprar el DVD (junto con otras 2 películas: Red de mentiras e Infiltrados)

Red de mentiras + Diamante de sangre + infiltrados [DVD]

Películas similares: La Reina de África, Memorias de África, Hotel Rwuanda, Amar Peligrosamente, El jardinero Fiel, El último Rey de Escocia, Tras el Corazón Verde, La Joya del Nilo

Ficha en IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0450259/combined

Tráiler en You Tube (español):

7 comentarios

Archivado bajo Muy bueno, Película - Acción, Película - Aventuras

Departamento Q. Expediente 64 – Jussi Adler-Olsen

Expediente_64 Reseñado por Malosa.

Una vez más y ya van cuatro, el danés me ha ganado de nuevo. Me sorprendió con su primera entrega, me lo confirmó con la segunda, me siguió entusiasmando con la tercera y en esta cuarta lo ha conseguido: se ha convertido en mi escritor favorito de novela negra en la actualidad. ¡¡Casi nada!!
Independientemente de que me encante Adler-Olsen, objetivamente tengo que decir que esta es una historia fantástica. Y que a pesar de ser una cuarta entrega de una misma saga no se resiente ni pierde su frescura y buen hacer original. Y basta ya de tantas alabanzas porque voy a perder totalmente la credibilidad 🙂

Sinopsis 

El libro comienza en 1985, en una fiesta de alta sociedad en la que encontramos a Nete Hermansen con su marido. Allí se cruza inesperadamente con Curt Wad, individuo que forma parte de un pasado de la vida de Nete que ella creía haber olvidado. Ante los dolorosos recuerdos Nete decide vengarse de los que arruinaron su vida antaño y le sometieron a abusos y vejaciones.
Paralelamente volvemos al presente, en el año 2010, en el que Carl Mørk y su equipo del departamento Q se encuentran investigando varias antiguas desapariciones  simultáneas. Todas parecen relacionarse con el médico Curt Wad, que además es el dirigente de un partido político de tendencias fascistas.
Adicionalmente, vemos que nuestro protagonista favorito, Carl Mørk, tiene que lidiar con un inquietante descubrimiento sobre su ayudante Rose. Aparte de que sus suspicacias a propósito de su extraño colaborador de origen árabe, Assad, no hacen más que aumentar. Sin contar con las nuevas pistas que surgen de su antiguo caso de la pistola clavadora y que no hacen más que salpicarle...

Opinión personal

Creo que parte del éxito de esta nueva entrega del departamento Q reside en la temática y el argumento escogidos. La novela centra su historia en torno a  Sprogø, un pequeño islote danés en el que se alzó una especie de cárcel-psiquiátrico entre 1923 y 1961. Allí estuvieron encerradas varias mujeres (unas 500 aproximadamente), consideradas oficialmente peligrosas o enfermas. Pero en realidad no lo eran, siendo el objetivo del encierro evitar la  “propagación de material genético indeseado”. En Sprogø acabaron enfermas mentales, mujeres promiscuas o prostitutas. Y allí recibieron castigos inhumanos que iban desde el aislamiento hasta la esterilización forzada.

Adler-Olsen ha sabido contar una historia basada en hechos reales y cuya existencia desconocían hasta los propios daneses, mezclándola con una novela de investigación policial muy bien llevada. Ha logrado denunciar algunos temas escabrosos de la historia de europa (como son la eugenesia y la obsesión con la pureza de raza) a través de unos personajes carismáticos, ya queridos por el lector y que se caracterizan por su normalidad. Mørk y su equipo no son héroes, son muy humanos.

Además de esta historia de base ganadora, son también sus personajes los que entusiasmarán al lector: el gruñón Carl Mørk, lleno de defectos pero de buen corazón en el fondo. El extraño Assad, cuyas intervenciones y modo de hablar suponen carcajada directa. Y la temperamental Rose, secretaria que hace lo que le da la gana pero fundamental en el equilibrio del departamento. La combinación de ellos es el alma de los libros de Adler-Olsen y son los personajes los que consiguen que, al menos a mí, me fascinen sus historias.

Otra cosa que hace muy bien el danés es lograr no saturarnos con una saga de la que lleva 4 libros escritos en los que las variaciones son mínimas. Pero yo no siento que se esté repitiendo y creo que lo consigue porque no nos lo cuenta todo de sus protagonistas. De Mørk sabemos ya bastante, pero el misterio y lo poco que se vislumbra aún tanto de Assad como de Rose hace que queramos más. Mucho más.
Esto me parece de una habilidad máxima y por ejemplo no lo ha logrado su homóloga en el género y zona geográfica, Camilla Läckberg. A mí la saga de la sueca me aburre ya bastante y sin embargo no me ocurre lo mismo con la del danés.

Hablar también de lo bien que lleva el autor el ritmo de sus historias, siendo capaz de desplegar una investigación policial detallada sin aburrir en ningún momento al lector. Dosificando los momentos descriptivos con los chascarrillos de los protagonistas y creando perfectamente el clima para los puntos álgidos de tensión, acumulados sobre todo al final. Logrando combinar a la perfección 3 historias alrededor de los mismos personajes pero contadas en 3 momentos históricos distintos y uniendo todos los cabos sueltos en ese final adrenalítico, en el que incluye además sorpresas.
Remarcar también que sus historias no requieren de un nivel de exigencia máximo en el lector, lo que no implica que sean simples o poco consistentes. Adler-Olsen sabe presentar su historia y sus intervinientes de modo fácil, claro y estructurado. El lector es capaz de seguir el argumento con facilidad y no necesitará releer páginas para enterarse bien del asunto.

Por sacar alguna pega a este libro, decir que he echado de menos más interacción cómica entre Assad y Mørk. En anteriores libros me desternillaba de risa con sus diálogos cada 2×3. En este libro también me he reído, pero menos que en los anteriores. Quizá su temática es más seria y esto también ha influido en el carácter de los personajes.
También creo que se le da poco peso a Rose en cuanto a trabajo de campo se refiere. Participa en la investigación pero siempre desde la retaguardia y creo que está pidiendo a gritos un poco más de protagonismo directo. Al final de esta historia parece que despunta en este sentido. ¿Lo mantendrá el danés en la siguiente?

Fantástica historia. Lectura adictiva. Impecable investigación policial. Humor asegurado. Sorpresa final. Ritmo adecuado. No sé qué más decir para que vayáis derechos a la librería a comprarlo. Pero hacedme caso: la saga al completo es reomendable. Empezad por el primero, La mujer que arañaba las paredes. Lo disfrutaréis más en este orden.

Por qué decidí leerlo: Reconozco que estaba leyendo otro libro cuando ví que acababan de publicar una nueva entrega de Adler-Olsen y su departamento Q. Y no lo dudé un momento: dejé el otro libro, me compré Expediente 64 y aquí está mi reseña, 5 días después.

Lo mejor: La historia de la isla de Sprogø, desconocida para casi todo el mundo. Carl Mørk y sus salidas. Las confusiones con el lenguaje de Assad. La dosificación del ritmo y el suspense. La sorpresa final.

Lo peor: Hay muy poco que no me guste de esta novela. Sólo destacaría la pérdida de humor en comparación con las anteriores o la falta de implicación directa de Rose.

¿Volvería a leerlo?: Sí, me encanta esta saga. Pero por orden de preferencia me releería el primero de la serie.

¿Lo recomendaría?: SÍ, en mayúsculas, acentuado y con los ojos cerrados. Para cualquier tipo de lector. Y aún más lo disfrutarán los amantes de la novela negra y los que gusten de la temática relacionada con el fascismo, segunda guerra mundial, etc.

Otros libros del estilo que podrían gustarte:

Departamento Q: Los chicos que cayeron en la trampa (Jussi Adler-Olsen)
Departamento Q: El mensaje que llegó en una botella (Jussi Adler-Olsen)
Linda, como en el asesinato de Linda (Leif G.W. Persson)
El verano de los juguetes muertos (Toni Hill)

Malosa

3 comentarios

Archivado bajo Muy bueno, Novela Negra, Novela policíaca - thriller

Película – Lincoln

poster-lincoln-gde

Reseñado por 0017

Ficha técnica

Año: 2012

Director: Steven Spielberg (La Lista de Schindler, Atrápame si puedes, War Horse)

Guión: Tony Kushner

Basado en el libro de Doris Kearns Goodwin ”Team of Rivals: the Political Genius of Abraham Lincoln”

Música: Janusz Kaminski

Reparto

  • Daniel Day-Lewis
  • Sally Field
  • Jospeh Gordon-Levitt
  • David Strathairn
  • Tommy Lee Jones
  • James Spader

Continúo con mi particular especial de reseñas de las películas más oscarizables de este año. En esta ocasión voy a comentar la gran favorita de esta temporada, que con doce nominaciones sitúa a Spielberg en el olimpo particular de los dioses cinematográficos al que ya está más que acostumbrado. En los Globos de Oro sólo ha conseguido uno de los siete a los que estaba nominado, siendo Daniel Day-Lewis premiado con el galardón a mejor actor, repartiéndose los premiados entre Argo, Los Miserables, La Noche Más Oscura y Django Desencadenado. Por lo tanto, la antesala de los Óscar ha renunciado a que Spielberg arrase en la toma de premios como ya ha hecho innumerables ocasiones. ¿Ocurrirá lo mismo en los premios de la Academia?

La historia de los últimos meses de Abraham Lincoln, decimosexto presidente americano que se enfrentó a un gran dilema moral mientras la guerra civil americana llegaba a sus últimos días tras años de sangrientas batallas. Su empeño por aprobar la decimotercera enmienda de la constitución, que aboliría la esclavitud como derecho constitucional de los estados sudistas, sería un gran avance humanitario si se hace antes de que acabe la guerra. El problema es que prolongar unas semanas más el conflicto supondría más bajas a las que añadir a la conciencia de toda una nación. Todo ello sumado al dilema moral de “convencer” a la mayoría de diputados de la cámara de representantes (incluyendo a los de su propio partido republicano y a los rivales demócratas), y a los problemas familiares que supone lidiar con su propia esposa (inestable psicológicamente tras la muerte de uno de sus hijos) y con la carrera militar que quiere emprender otro de sus hijos.

Decía un gran crítico de cine que Spielberg peca de pretencioso en muchas ocasiones, y que lo que más le fastidia de la historia del cine era que Orson Welles ya hubiera filmado Ciudadano Kane, puesto que es una película que le hubiera encantado rodar a él. Esta frase  resume perfectamente lo que es y lo que supone este cineasta para la industria de Hollywood y para los anales del séptimo arte. La verdad es que a mi me tiene dividido, porque sí que es verdad que muchas veces intenta hacer la película definitiva sobre el tema que le haya tocado filmar en el momento. El holocausto nazi, la segunda guerra mundial, el esclavismo…  Son temas recurrentes sobre los que da vueltas y, cuando se pone totalmente serio, pierde mucho fuelle y hace productos que a los académicos oficiales les encanta pero con el peligro de acabar siendo un solemne tostón. Spielberg cuando más gana y hace productos más reseñables es cuando se dedica al cine de evasión y deja de lado los grandes dramas históricos. Quizás pierde en profundidad del mensaje, pero gana en diversión y en memorabilidad. Tras sus inicios en los que diseñó el concepto actual de cine-espectáculo por medio del blockbuster de temporada por el que se rige el Hollywood actual (creando grande mitos cinéfilos como Indiana Jones o ET), tuvo una época en la que se pasó a los grandes dramas históricos (La Lista de Schindler, Salvar al Soldado Ryan), mientras se relegaba a sí mismo a labores de productor asociado para financiar cine de evasión dirigido por cineastas menores. Es esta época la del cine más aburrido de su filmografía, dedicado a ganar premios y a contar historias serias. Sólo me reconcilié con él cuando llegaron cintas con una profundidad moral mas ligera del estilo de “Atrápame si puedes”, “Minority Report”  o “Las Aventuras de Tintín”, que retoma el testigo del  cine de evasión de sus inicios pero con la capacidad de darnos un discurso ético escondido en el argumento, como técnica aprendida de sus grandes dramas.

La pregunta de si Lincoln pertenece al primer o al segundo grupo parece respondida de antemano (desde luego que es un drama histórico del que ya sabemos el final cogiendo el libro de historia), pero con matices. Con una segunda mitad que gana en ritmo narrativo (para ser un drama político), su primera hora resulta bastante lenta y farragosa, centrándose en los vericuetos legales y políticos que gobernaban Washington en la época, y exigiendo conocimientos medios-avanzados de historia americana, dificultando la labor al espectador no iniciado. Con una fotografía oscurantista y centrada en interiores, vemos al Lincoln político y al padre de familia, hombre ajado y friolero, envejecido por la guerra, aficionado a los discursos breves y a las anécdotas largas, que nos muestra las cloacas de la política americana (extrapolable a cualquier otro país). Aquí Spielberg no ahorra en críticas hacia el sistema político, demasiado envilecido para llevar tan poco tiempo, con congresistas vociferando e insultándose de forma creativa, periodistas al acecho del titular del siglo, lobbies de presión intentando que sus intereses prevalezcan sobre la mayoría y decisiones que se toman en despachos cerrados de una Casa Blanca que todavía está en construcción.

Daniel Day-Lewis hace suyo el personaje, junto con una labor de maquillaje excepcional, donde cada arruga de la cara parece contar una historia. Si ganara el Óscar, sería tremendamente merecido. El resto de secundarios están magníficos, destacando la escena que Lewis con Sally Field escenifican en un momento  de crisis matrimonial y que parece sacada de las bambalinas de un teatro de primer orden. Tommy Lee Jones parece haber esperado toda su vida para este papel, mientras que Gordon-Levitt está en gracia tras encadenar papeles de secundario en unas últimas películas de lujo.

Y destacar la delicadeza de Spielberg en el modo de contar el final de este presidente americano, quizás lo más conocido a priori por el espectador, alejado del magnicidio grandilocuente esperado.

En definitiva, una obra de madurez de Spielberg, que por momentos se acerca a lo más convencional de su cine dramático, con ese tono de gravedad que aporta siempre, pero que mejora en el tercio final.  No es mala película, dado que nos habla de los grandes dilemas morales de la vida y de la historia (¿el fin justifica los medios?), y que lo resume todo en la fabulosa frase del personaje de Tommy Lee Jones a su ama de llaves (“la medida más importante del siglo XIX, urdida gracias a la corrupción del hombre más puro de América”); pero recomiendo ir al cine con los ojos y los oídos bien abiertos por la densidad de la trama, que resulta muy didáctica pero algo apabullante por momentos. Y es que las comparaciones con la película que mejor ha reflejado la guerra de secesión americana y ha trascendido la lírica y la épica (con la historia de amor y coraje más tormentosa de todos los tiempos, me refiero por supuesto a Lo que el viento se llevó) resultan odiosas pero, en este caso, inevitables.

Calificación: Entretenida – Buena

Lo Mejor: Daniel Day-Lewis, y todos los demás secundarios de la historia. El tramo final.

Lo Peor: Un inicio algo renqueante, que resulta demasiado complejo para los no iniciados en historia americana.

La vería de nuevo: No

La Recomiendo: Sí, para todos aquellos que quieran ver los orígenes de “El ala oeste de la Casa Blanca”

Películas similares: Lo que el viento se llevó; Amistad; Salvar al soldado Ryan; War Horse; Invictus

Ficha en IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0443272/

Tráiler en You Tube (español):

3 comentarios

Archivado bajo Bueno, Entretenido, Película - Drama, Película - Historia

Película – Los Miserables

Los Miserables

Los Miserables

Ficha técnica

Año: 2012

Director: Tom hooper («El discurso del Rey«)

Guión: William Nicholson

Basado en el libro de Victor Hugo

Música: Claude-Michel Schönberg

Reparto

  • Hugh Jackman
  • Russell Crowe
  • Anne Hathaway
  • Amanda Seyfried
  • Sacha Baron Cohen
  • Helena Bonham Carter

La acción se remonta a Francia, 1815. El preso Jean Valjean acaba por fin su cautiverio de diecinueve años condenado a galeras y es puesto en libertad condicional. El guardia que ha estado encargado de vigilarle, Javert, le informa de que va a seguir estando detrás de él y va a tener que mostrar donde quiera que vaya los papeles que demuestran que sigue siendo un convicto. Tras intentar buscar trabajo sin éxito por esta razón, acaba siendo acogido de manera fraternal por el obispo de Digne, a quien le roba para acto seguido darse a la fuga. No tarda en ser capturado con todo el botín y llevado frente al obispo quien, para sorpresa suya, decide encubrirle y no delatarle. El obispo le dice que realmente Dios puede tener un plan preparado para él, con lo que le deja libre y le regala, además, un par de candelabros de plata que estarán presentes el resto de la vida de Valjean, recordándole este noble gesto de manera perpetua. En este momento, Valjean decide romper los papeles de su libertad condicional y escapar, para dejar de rendir cuentas a Javert y vivir con una personalidad falsa el resto de su vida.

Los años pasan, para encontrarnos con una fábrica de costureras y el personaje de Fantine, a quien el capataz despide simplemente por descubrir que tiene una hija ilegítima y deducir que es una mujer de moral dudosa. Da la casualidad que el dueño último de la fábrica es Valjean, que ha conseguido redimirse para acabar siendo un ciudadano respetable, gracias a haber ocultado su verdadera identidad. Tras enterarse de que Fantine ha sido obligada a prostituirse, y estar ésta enferma gravemente y al borde de la muerte, decide ocuparse de su hija, Cosette, adoptándola como si de su propia hija se tratara. Cosette está al cargo del mesonero sin escrúpulos Thénardier y su mujer, quienes a pesar del dinero que les paga su madre por cuidarla, la tienen obligada a barrer la posada y a realizar demás tareas denigrantes. Valjean le compra su libertad y la salva de la garras de los malvados hostaleros.

Mientras tanto, los caminos de Javert y Valjean se entrecruzan sin conocer la verdadera identidad de este último, pero por desgracia el primero no tarda en sospechar del segundo. La tenacidad del otrora guardián por atrapar al preso fugado es legendaria, pero la justicia acaba atrapando a otro reo fugado creyendo que es Valjean, para pasar a juzgarle en su lugar. El dilema moral de nuestro protagonista es inmenso, pero al final decide confesar para salvar al recluso inocente, lo que supone automáticamente la vuelta a la clandestinidad y a esconderse entre las sombras de nuevo. Ahora además, con su recién adoptada hija a cuestas.

Continúan pasando los años, Cosette se convierte en una atractiva jovencita. Estamos ahora en el París de 1832, con la revolución burguesa en ciernes. El joven revolucionario Marius prepara junto a sus compañeros de barricadas un levantamiento popular cuando se cruza por un momento con Cosette, siendo el flechazo entre ellos instantáneo. Marius le pide a Eponine, -enamorada en secreto de él, y que es la joven hija de los mesoneros Thénadier y criada entonces junto a Cosette- que les presente y que interceda con ella. Los acontecimientos a partir de ahora se irán precipitando, dado que Javert acecha y Valjean volverá a verse en peligro. Él y su hija deberán huir una vez más sólo que ahora Cosette ha encontrado el amor en Marius. Valjean se da cuenta y en un acto desinteresado, la noche previa a la revuelta se une a los revolucionarios para evitar que el amor verdadero de su hija sea acribillado por el ejército parisino. Es en este marco histórico y con Javert siempre pisándole los talones,  donde se alcanzará el clímax final de esta historia de amor, honor, destino y redención.

Cuando se intenta llevar grandes obras escritas al cine pasan cosas como ésta. Una joya literaria universal imperecedera, germen a su vez de una de las más aplaudidas adaptaciones al género del musical broadwaiano desde hace más de treinta años, merecía una película a la altura. Tirando de presupuesto y un gran reparto, que hiciera olvidar antiguas adaptaciones fallidas o poco notorias -en wikipedia he contado más de diez-. Por lo menos son recordables la adaptación que se hizo en 1998 con Liam Neeson, Geoffrey Rush y Uma Thurman. O la miniserie de 2000 con Gérard Depardieu y John Malkovich.

Sin embargo, la versión que tenemos entre manos se lo juega todo -o por lo menos aparentemente- a una carta. Muy arriesgado a priori lo de hacer un musical de arriba a abajo con diálogos ocasionales, una especie de ópera filmada. Digo lo de aparentemente porque al final no parecía  tan temerario hacer una adaptación directa del musical que ha triunfado en Paris, Londres y Broadway.

Y a pesar de todo el esfuerzo por hacer una de las versiones más dignas de la obra cumbre del siglo XIX francés y de algunos aciertos puntuales, como película acaba siendo tediosa y de un ritmo lento y dispar. A la cinta le sobra metraje y números musicales. La trama avanza de manera desigual; los acontecimientos en ocasiones se suceden vertiginosamente, para a continuación detenerse en seco y mostrarnos un número musical introspectivo de quince minutos que nos muestra los sentimientos del personaje de turno. Esto mata todas las posibilidades épicas del planteamiento, que podría haber contado la historia de los personajes de manera implícita a través de sus actos en el marco histórico en el que se desenvuelve, pero que al final se centra en números musicales accesorios dejándonos con la sensación de que al final están algo desdibujados, de que les faltan escenas adicionales. Algo por otro lado imposible de hacer porque hubiera alargado el metraje hasta límites insoportables.

Es decir, todo un contrasentido que solo tiene significado si nos vamos a la obra literaria o al musical original. Es aquí donde entra en juego la teoría que siempre comento sobre las desafortunadas adaptaciones de libros-películas: lo que cabe en 700 páginas, no tiene porqué caber en dos horas de metraje, ni tiene porqué ser igual de bueno. Una novela está hecha para ser leída en varios días o semanas. Hay tiempo de sobra para desarrollar descripciones, la personalidad de los personajes, realizar ensayos y disquisiciones de cualquier ámbito moral… En una película hay que recortar de donde se pueda, el metraje es lo que es, y punto. Tienes que meter en aproximadamente dos horas un planteamiento, nudo y desenlace. Todo lo que quieras decir de los personajes tiene que estar sugerido, más que narrado (o cantado, dado el caso que nos ocupa). Y además, el planteamiento tiene que atraer, y hasta que llegue el nudo no puedes irte mucho por las ramas o se corre el riesgo de perder al espectador. Por supuesto que hay excepciones de grandes películas de gran metraje estilo Lawrence de Arabia, pero realizar esas obras no están al alcance de cualquiera y, mucho me temo que Tom Hooper no es David Lean, por mucho que haya hecho El discurso del Rey. Y de la adaptación de la obra desde un musical, pasa tres cuartos de lo mismo, con la salvedad además de que en este caso tienes quince minutos de descanso entre acto y acto.

No todo va a ser malo. De los personajes sobresalen Hugh Jackman y Russell Crowe. Están inmensos, y realizan unas interpretaciones soberbias, sobre todo en el plano musical. Precisamente son los personajes más desarrollados y toda la trama gira alrededor de ellos, con lo que entendemos bien sus motivaciones, aunque algunas veces resulte inverosímil la fijación de Javert con Valjean. Anne Hathaway también está perfecta en lo poco de metraje que sale, aunque tendente a la sobreactuación. Al resto les pasa lo que he comentado antes, que les falta minutos en escena sin cantar. Por ejemplo, parece que a Sacha Baron Cohen y Helena Bonham Carter nadie les dijo que ya no estaban en Sweeney Todd, por mucho que se esfuercen en darle el toque cómico a sus apariciones.

Otro punto fuerte de la película es el espectacular diseño de producción y la ambientación. Desde las galeras del inicio, al Paris revolucionario del siglo XIX, todos los decorados de la cinta contribuyen a darle el toque épico a la trama que los números musicales se empeñan en quitar.

Como conclusión final, la verdad es que Los Miserables deja un regusto contradictorio. Por un lado es una gran trama épica que trasciende lo argumental y habla de las grandes miserias y virtudes del hombre. El honor, el destino y la redención tanto divina como humana de nuestros actos. El problema es que precisamente, esto no es mérito de la película sino de la obra en la que se basa. Técnicamente está muy bien realizada, y hay que reconocer el mérito de las interpretaciones siempre que un actor se arriesga a poner su voz al servicio de la música. Sin embargo, para mí pesa más el tedioso ritmo de la trama y eso es un pecado que en una película no puedo perdonar, a pesar de que -dejando a parte mis prejuicios preconcebidos de algunos realizadores- suelo ser bastante condescendiente con la mayoría de películas que suelo ver, siempre que me hagan estar enganchado a la butaca sin mirar el reloj la mayor parte del metraje. Es por ello que para mí esta cinta no llega al aprobado, lo que no quita que se la pueda recomendar a más gente dado que considero que la experiencia fílmica de cada uno pueda ser distinta. Avisados estáis.

Calificación: Entre pasable y mala.

Lo Mejor: Las interpretaciones del Jackman, Crowe y Hathaway. La ambientación.

Lo Peor: Excesivo metraje. No está a la altura a nivel de ritmo narrativo.

La vería de nuevo: No

La Recomiendo: Sí; como ya he dicho, creo que a mucha gente no le importe las dos horas y pico, y que sepan valorar mejor que yo los números musicales.

Películas similares: Moulin Rouge (Combo blu_ray + DVD), Sweeney Todd [Blu-ray], El Conde De Montecristo (G.Depardieu) [Blu-ray], Oliver! (Musical de Carol Reed, 1968), Oliver Twist (versión de David Lean en DVD, 1948), Oliver Twist (versión de Roman Polansky, 2011),

Link a la banda sonora en Amazon.es: Les Miserables: Highlights From The

Link a los DVD del Espectáculo de Broadway en DVD en Amazon.es: Los miserables: El musical [DVD]

Ficha en IMDB: http://www.imdb.es/title/tt1707386/

Tráiler en You Tube (español):

11 comentarios

Archivado bajo Pasable, Película - Drama, Película - Musical

El libro de Jade – Lena Valenti

El_libro_de_jadeReseñado por Malosa.

Primer volumen de la bastante conocida Saga Vanir. Este libro, publicado en 2010, se ha convertido en la novela más vendida del género romántico en España en lengua castellana. Lleva la friolera de 50.000 unidades vendidas en nuestro país (y esto son palabras mayores en el género). Ha sido escrita por la catalana Lena Valenti, pseudónimo detrás del cuál se esconde la escritora Lorena Cabo, responsable de prensa y comunicación para la casa del libro.
El libro de Jade no es el primer libro publicado por la catalana, pero sí el que alcanzó altas cotas de popularidad y le llevó a escribir varios volúmenes más de la llamada saga Vanir.

Esta saga presenta tintes vampíricos y sobrenaturales, ligados por romances y leyendas propios de la mitología escandinava y aderezados con escenas subidas de tono con vampiros y hombres lobo (Vanirios y Bersekers, respectivamente).
A esta autora se le ha llamado la E.L. James española y ha trascendido el panorama literario español con traducciones de esta novela a varios países europeos, juegos de rol comercializados, merchandising (bebida oficial), tatuajes, una fiesta anual en torno a la saga y una guía oficial ilustrada en curso a cargo de un importante ilustrador español de MARVEL (lo cuál encuentro acertado porque las reminiscencias al cómic se hacen patentes a o largo de toda la novela). ¿Tantas alabanzas son merecidas?

En mi búsqueda de opiniones por Internet sobre este primer libro, reconozco que no he encontrado NI UNA SOLA reseña negativa. NI UNA. Me da que pensar, porque si tuviera que elegir un adjetivo para esta novela, entre buena y mala, diría que claramente me parece mala. Pero como voy a ser el único comentario en la red de esta índole, me temo que no tendré demasiada credibilidad…

Sinopsis

Eileen es una joven de 21 años con un padre que nunca le ha dado cariño, por lo que se refugia en sus dos mejores amigos, Ruth y Gabriel. Trabaja en el negocio familiar, una empresa de materiales y productos para salas de operaciones y hospitales. Pero la empresa no es lo que parece ya que su padre Mikhail no utiliza esos materiales quirúrgicos para salvar vidas. Vanirios y Berserkers, seres sobrenaturales creados por los dioses para proteger a los humanos, están siendo secuestrados, torturados y aniquilados.

CalebYAileenCaleb, el líder vanirio de su clan, quiere venganza y persigue a Mikhail. Le localiza y secuestra a Eileen convencido de que ella es cómplice para así interrogarla y destapar a los demás responsables de la carnicería que se está haciendo con los de su especie.
Pero Eileen no sabe nada y cuando Caleb se da cuenta de su error con ella se arrepiente terriblemente. ¿Pero será tarde para que Eileen le perdone?

Opinión personal

Lo primero, no entiendo por qué dicen que esto es una novela para adultos. ¿Porque tiene sexo explícito? A mí el argumento y la forma de relatar la historia me hacen encuadrarla en el género juvenil de cabeza. Creo que es un libro para jóvenes lectores (que no adolescentes, por la cantidad de escenas subidas de tono que hay), con edades entre 20 y 30 años como mucho.

Lo segundo, no entiendo la unanimidad de la crítica con esta novela y esta saga. Mis razones:

  • Historia increíble en el sentido malo de la palabra. Que no hay quien se la crea, vamos. Y no sólo porque construya una historia de amor idílica a partir de una agresión, sino porque sustenta una relación adulta en el puro instinto animal. Nos la quieren vender como el Romeo-Julieta del S.XXI y no es así. Y además a lo largo del libro se “disculpa” al responsable de la agresión (Caleb) y se le presenta como el hombre más honesto de la tierra. Vamos hombre…
  • Personajes más planos que un folio: Eileen (o Aileen, el auténtico nombre de la protagonista y que descubre avanzado el libro. Tela con la originalidad), guapísima (con su 90-60-90 y sus ojos lila tiene a todos los personajes babeando), divinísima, listísima, fuertísima, con muchísimo carácter y super buena de sentimientos. Caleb, macizorro, sobreprotector, rozando el machismo en sus actos pero se le perdona porque es taaan bueno y taaan honrado en el fondo…As, el abuelo perfecto, atlético, super tolerante con todo lo que hace su nieta y siempre aceptando de buen grado todo y estando en su papel. Podría seguir pero mejor paro. Es decir, cero matices en los personajes y cero defectos, excepto en el caso de Caleb.
  • Faltas de ortografía y gramaticales. Por Dios, ni siquiera esta vez se puede justificar el hecho por la traducción (a menos que originariamente esté escrito en catalán, claro). Frases como «ves para allá» hacen que me duelan los ojos. Vete para allá o ve para allá pero no ves.  Que una escritora profesional cometa estos errores me hace bajarle puntos a su novela de forma inmediata. Y además, ¿es que antes de pasar un libro por la imprenta no se revisa? Vergonzoso…
  • Originalidad nula: Vale que este género está super explotado y es difícil salir con algo  nuevo, pero el recurso de la eterna lucha entre el hombre lobo y el vampiro está más visto que el TBO. Y el tema de la hibridación entre especies ya lo habíamos visto también, en concreto en la saga cinematográfica de Underworld (claramente inspiración de Lena Valenti para escribir esta serie de libros). Además, ¿Por qué lo lía tanto? Con el pretexto de poner a los Vanirios y Berkesers como buenos tiene que remarcar que los vampiros y hombres lobos son malvados, no dándose cuenta de que las diferencias que se aprecian entre todas estas razas son mínimas. Vamos, que podía hablar de 2 especies y no de 4.

En aras de la objetividad tengo que nombrar sus aspectos positivos, que los hay, aunque en mi opinión insuficientes para considerar ésta una buena novela:

  • Personajes secundarios interesantes. Y además bien esbozados. No cuenta mucho de ellos (a excepción de Daanna) pero los perfila con el suficiente halo de misterio como para querer saber más sobre los mismos. Y esto la autora lo hace bien y aprovecha el tirón dedicando sus libros posteriores a los secundarios planteados en la primera entrega. Tal es el caso de Ruth (la amiga de Eileen) y Adam (Berseker de la manada de Aileen). Muy interesante me parece también el personaje de Gabriel, que parece el único humano auténtico en toda esta horda de criaturas sobrenaturales (creo que la autora le dedica el cuarto volumen de la saga). Me parece además que el hecho de cambiar a los protagonistas de los posteriores libros es un acierto, ya que alargar más la historia de Eileen y Caleb hubiera resultado un error.
  • Los encuentros sexuales de los protagonistas me parecen sobresalientes. Ahora que ya he leído un poco más de erótica puedo afirmar que las escenas hot que aparecen en este libro de Lena Valenti son las mejores que he leído. Derrochan fuerza, pasión y por supuesto lujuria. Un 10 en este aspecto. Lo que no me parece tan acertada es la profusión de las mismas. Habrá unas 5 ó 6 (con amplia descriptiva cada una). Dos de ellas las entiendo y van acordes a la trama. Incluso tres. Pero las restantes son gratuitas y están más que nada para calentar al personal. Lo cual pues bueno…será adecuado o no en función del objetivo que persigas con esta novela. A mí desde luego me sobraron.
  • Entretener, entretiene. Eso no se le puede negar. Nos mete de lleno en un mundo fantástico repleto de criaturas mitológicas y con grandes dosis de acción, sexo, sangre e incluso romanticismo. Aunque la historia me resultó un poco densa (casi 600 páginas para este libro se me antojaron excesivas) no se puede decir que sea aburrida y esto es algo bueno y que no consiguen todos los escritores.

En resumen, pues…ni fu ni fa. Más bien fu que fa. Novela paranormal y más juvenil que otra cosa, con bastante sexo y poco calado. La primera de una saga que para mi gusto podría haber sido remarcable si se hubiera hecho mejor.

Por qué decidí leerlo: No me sonaba de nada, pero en un artículo del diario El País hablaban de ella y de otras tantas por el furor de la erótica y su formato me llamó la atención.

Lo mejor: Los secundarios, el sexo y el mundo mitológico en el que encuadra la historia.

Lo peor: Casi todo lo detallado punto por punto arriba. Personalmente, los errores ortográficos y gramaticales en una escritora profesional.

¿Volvería a leerlo?: No, ni hablar. Como mucho me leo el segundo de la saga y lo dudo.

¿Lo recomendaría?: Jóvenes aficionados a la erótica y lo sobrenatural. Pero sin grandes expectativas ni exigencias.

Link al libro en Amazon.es

Libro De Jade, El – Saga Vanir I

Otros libros del estilo que podrían gustarte (al no estar reseñados aún incluimos links a Amazon.es)

El libro de la sacerdotisa (Lena Valenti)
Cazadores oscuros (Sherrilyn Kenyon)
El rapto de la Bella Durmiente (Anne Rice)

Malosa

12 comentarios

Archivado bajo Erótica, Juvenil, Novela Romántica, Pasable, Vampiros

Película – Jack Reacher

Reseñado por 0017

jack-reacher-poster-international

Ficha técnica

Año: 2012

Director: Christopher McQuarrie

Guión: Christopher McQuarrie

Basado en el libro One Shot, de Lee Child (enlace del libro a Amazon)

Música: Joe Kraemer

Reparto

  • Tom Cruise
  • Rosamund Pike
  • Richard Jenkins
  • Werner Herzog
  • Jay Courtney
  • Robert Duvall

Un francotirador aparca su furgoneta en un parking público y comienza a abrir fuego indiscriminadamente contra la gente en un parque cercano. Caen cinco víctimas entre la gente. A la policía no le cuesta demasiado dar con el presunto perturbado hallando todas las pistas en su contra, así que lo único sorprendente es que en el interrogatorio sólo diga una cosa: traed a Jack Reacher. El tal Reacher es un militar retirado que permanece oculto en la sombra, nadie conoce su dirección, su trabajo ni su paradero. El misterio se apodera de los policías porque… ¿quién es ese tipo? ¿qué relación tiene con el sospechoso? ¿por qué hay que encontrarle? Afortunadamente, Reacher se ha enterado del suceso en las noticias y es él el que se presenta antes para esclarecer el suceso. Para sorpresa de los investigadores, Reacher no cree en la inocencia del sospechoso, puesto que en su pasado militar Reacher era investigador del ejército, se dedicaba a resolver distintos crímenes y no era la primera vez que el francotirador se veía envuelto en un suceso similar. Es por la pertinaz abogada de la defensa quien, a pesar de tener perdido el caso de antemano, solicita a Jack que realice pesquisas por su cuenta. La ley garantiza, a fin de cuentas, que la justicia llegue a todos por igual por lo de la presunción de inocencia y todo eso que se supone derrocha el país de las libertades. De esta manera, nos iremos sumergiendo junto con el protagonista en peleas, persecuciones de coches, tiroteos y demás situaciones de esperar.

Básicamente lo que tenemos en Jack Reacher es una intentona por parte de Cruise y los estudios de crear una nueva franquicia basada en un nuevo héroe de acción. Para ello han cogido la obra de Lee Child, seudónimo del escritor Jim Grant. Con 16 novelas del personaje, un militar retirado que recorre Estado Unidos como un vagabundo, está garantizado material suficiente para recrear en la gran pantalla nuevos títulos que aseguren continuidad en las tramas. El planteamiento recuerda a las grandes series de los setenta y ochenta, al estilo de El Increíble Hulk, El Fugitivo e incluso El Equipo A, donde los protagonistas son nómadas que se dedican a recorrer el país ayudando a quienes encuentran o involucrándose en problemas ajenos. La novela elegida para hacer el bautismo cinematográfico al personaje es la publicada en noveno lugar, One Shot – Un disparo, quizás por lo sugerente y enigmático del planteamiento, en el que el francotirador detenido sólo proporciona el nombre del protagonista en su declaración a la policía.

Al final el resultado es una película que rememora las historias de investigadores privados a lo Philippe Marlowe. Cine negro al estilo de El Sueño Eterno, donde el personaje principal no hace más que meterse en líos mientras va echando algo de luz sobre el caso. En la receta se han añadido también unas cuantas dosis de cine de acción taquillero de los 70, 80 y 90, recordando por momentos a títulos como Jungla de Cristal o Arma Letal -tanto por las escenas de acción y tiroteos varios, como por el carisma del protagonista-, las películas de Harry el Sucio, e incluso un clásico como Bullit tiene ecos reflejados aquí en la persecución de coches.

Lo más reseñable de la película es quizás precisamente el personaje protagonista. Tom Cruise carga con todo el peso de la película. Se echa todo a los hombros, junto con las escenas de riesgo, como ya hiciera en Misión Imposible -solo que aquí la acción es más mundana- para dar vida a un personaje algo macarra y chulesco, un tipo duro de los de antes. Sus mejores momentos y más adrenalíticos son los previos al combate. Una mezcla entre John McLane y Harry Callahan, con su propio código moral y ético, poseedor de una ambigüedad moral contradictoria, por encima del bien y del mal. Precisamente el mérito de Cruise consiste en hacer creíble un personaje que en lo literario es rubio y mide metro noventa y pico. Realmente el actor-productor es en estos tipos de películas donde mejor se desenvuelve, eclipsando hasta la -correctísima por otro lado- labor del director McQuarrie (el guionista que ganó un Óscar por Sospechosos Habituales, y que también firmó el libreto de Valkiria). Y no se le podrá negar el ser un actor de referencia, de ésos que llenan la pantalla y son capaces de mostrarle a la industria por dónde deben ir los tiros en cada uno de los géneros en que participa.

Sin embargo, el resto de secundarios son un poco planos y sin aportar nada nuevo al género. Es decir, que mientras Reacher es un investigador brillante (un listo muy listo que cuando se pone duro es muy duro), los malos son muy malos, y los policías muy simples y algo tontos. Ni siquiera Robert Duvall se salva como colaborador graciosete, siendo lo único sorprendente de la función ver a Werner Herzog como villano último pero, como he dicho, cayendo en los arquetipos del género y de los malvados más recalcitrantes.

El resultado es una película entretenida, bien realizada y que está por encima del resto de cintas del género que se ruedan de manera mala y rápida. No aporta mucha novedad y por ello su calificación no llega al notable, pero se agradece que esté cuidada en su realización y que el guión no haga aguas la mayor parte de la película.

Calificación: Entre Entretenida y Buena.

Lo Mejor: La escena inicial intrigante y cautivadora. El personaje de Jack Reacher en sí mismo, con su manera de resolver los conflictos.

Lo Peor: Momentos que creemos haber visto mil veces. La lucha final resulta sonrojante.

La vería de nuevo: No, pero tengo la sensación de que no va a ser la última vez que vea a este tipo…

La Recomiendo: Para amantes de la acción convencional. Para el resto, se pasa el rato, pero nada más.

Películas similares: El Sueño Eterno (The Big Sleep, 1946), Jungla De Cristal (Colección Blue-ray partes 1 a 4), Arma Letal [Collection 1-4 Reino Unido Blu-ray] (sobre todo la 2), Harry El Sucio [Colección Blu-ray], Bullit [Blu-ray], Enemigo a las Puertas, Venganza

Ficha en IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0790724/

Tráiler en You Tube (español):

Link a la reseña del libro por Bitterblink

Un disparo – Lee Child

8 comentarios

Archivado bajo Bueno, Entretenido, Película - Acción, Película - Thriller

Los Viajes de Tuf – George R. R. Martin

Los Viajes de Tuf - George R. R. Martin

Los Viajes de Tuf – George R. R. Martin

Reseñado por Bitterblink

Hablar de George R.R. Martin es hablar de Fantasía y es hablar de Juego de Tronos o mejor dicho de Canción de Hielo y fuego, su Heptalogía y su obra más famosa. Pese a que a mi Canción de Hielo y Fuego no me gustó (a Malosa le han encantado y por eso los ha reseñado ella), antes de que alguien me queme en la hoguera de la impiedad por ofender su honor friki, diré que George R.R. Martin es en mi opinión un gran escritor y lo demuestra en muchas obras, pero que cuando pienso en «Juego de Tronos» las palabras «Castaña» y «Peñazo» automáticamente acuden a mi mente. Da igual, sobre gustos ya se sabe.

Primero debo decir que yo conocía a este autor de ANTES de Juego de Tronos. George tras cursar su carrera como periodista y dar clase de periodismo en Iowa comienza a escribir a tiempo parcial en los años 70 y comienzan a lloverle premios Hugo, Locus y Nébula, destacando en los relatos cortos de fantasía, ciencia ficción y Terror.

Su primera Novela «Muerte de la luz» (1977) resulta un éxito y le permite dedicarse full time a escribir. A partir de ahí irá ganando premios Hugo y Locus casi todos los años por su obra, sean relatos o novelas, es decir que si bien el reconocimiento internacional llega con «Juego de Tronos» de 1996, es un escritor de ciencia ficción bastante bueno desde mucho antes, y de esta etapa anterior, en mi opinión mucho mejor, es esta colección de relatos que reseño aquí.

Estos relatos fueron publicados en la revista Analog Science Fiction and Fact durante el año 1976 y fue posteriormente reagrupada por el autor tocando algunas inconsistencias y añadiendo algún capítulo que le diera coherencia y se publicó reagrupada de nuevo en 1984 bajo el título «Tuf Voyaying» y añadiendo algunas ilustraciones (que lamentablemente no estaban en la edición que yo adquirí). Lamento también la mala idea de la editorial al poner un caballero en armadura en la portada del libro… nada más lejos de la realidad es ciencia ficción en el espacio, pero hay que usar el tirón de Juego de Tronos… lamentable.

Vamos al lío. Esta colección de relatos narra las aventuras del ecléctico Haviland Tuf, un extraño comerciante espacial, calvo pálido como la leche y algo obeso que viaja acompañado de muchos gatos, entre ellos un extraño gato psíquico. Además de misántropo y bastante aficionado a la cerveza es vegetariano… vamos todo un tipo raro aunque de buen corazón.

Precisamente por eso, por ser un tipo raro y de buen corazón, en el primer relato «La estrella de la Plaga» un grupo de desaprensivos intenta aprovecharse de él y de su nave, la «Cornucopia de merancías excelentes a precios bajos» (me encanta el nombre jaja, igual no es literal pero es por el estilo) para servir de transporte a un planeta donde periódicamente se desatan terribles enfermedades sobre sus habitantes cada tres generaciones.

El grupo criminal, formado por académicos, técnicos y una mercenaria guardaespaldas, sospecha que las plagas se relacionan con una «Sembradora», es decir una nave gigantesca de 30 km de longitud que es un remanente de la guerra biológica desatada por el desaparecido cuerpo de ingenieros biológicos del desparecido Imperio Federal y planean quedarse con la nave para utilizar su terrible poder y deshacerse del pobre Tuf.

Lo que no sospechan es que sin plan y sin habilidades especiales, Tuf tiene su inteligencia y a sus traviesos gatos como ayuda y tras una serie de carambolas Tuf se hace con la nave y se convierte por derecho en el primer Ingeniero ecológico que ha visto la galaxia en mucho mucho tiempo al mando de la Sembradora bautizada con el nombre de El Arca.

Tuf es consciente de que tiene en su poder un arma terrible codiciada por todos en el espacio en el que se mueve donde la ley y la justicia son conceptos teóricos. Supongo que por eso todos los relatos comienzan con una negociación más o menos tensa sobre como conseguir los servicios de Tuf (y por ende de la Sembradora) y por si acaso cualquier probabilidad de conseguir la sembradora en si.

En la siguiente historia, Panes y Peces, Tuf conoce a Tolly Mune, una mujer que habita en «La casa de la Araña» y es la jefa del Puerto en S’uthlam (que a nadie escape el anagrama de Malthus) de la que busca conseguir la reparación de su nave. Sin embargo el gobierno S’uthlam desea la nave o los servicios de la misma puesto que su religión establece una obsesiva reproducción hasta que la sobrepoblación lleve a la hambruna o a la conquista. Tuf se niega y Tolly consigue encontrar la forma de extorsionarle hasta que finalmente Tuf presta sus servicios… a su manera y consigue la ayuda de TM para escapar iniciándose una curiosa relación amor-odio que dura todo el libro.

«Guardianes» se trata para mi gusto de la mejor historia de la recopilación, donde el planeta cuasi marítimo «Namor» (otro chiste con el nombre referente al «primer mutante de Marvel») que sufre ataques de unos extraños monstruos marinos que además se van adaptando. Tuf tendrá que descubrir el misterio acerca de las criaturas y plantearse quién es realmente la víctima en este conflicto que no es tan evidente como parece.

Hay otros regresos a S’uthlam con nuevas negociaciones con TM, siendo la última la más épica, así como otros relatos. Me quedo con «Una bestia para Norn» porque me recuerda al mejor relato que he leído de GRRM: «Los señores de la arena» que dió lugar a un épico capítulo de «Más allá del limite» llamado «Los arenícolas» que sin duda es de mis preferidos.

Los relatos tienen una serie de elementos en común, quizá el más cansino es que Tuf suele terminar dando una explicación o una conclusión al relato. Los primeros ok, pero cuando llevas 3 se te empiezan a hacer cuesta arriba y las peroratas de Tuf no son tan divertidas. Supongo que es un efecto de hacer un libro a partir de un conjunto de relatos, lo considero un defecto pero es uno menor en todo caso, que no desincentiva la lectura.

La verdad es que aunque el universo esté bien trazado y haya personajes pintorescos como el propio Tuf o TM lo mejor es la propia ecología o xenobiología que se nos presenta. Nos va a recordar mucho a Star Trek, donde hay un «problema» o un misterio al inicio de cada relato y el personaje viajero tiene que resolverlo cada vez con el poder de su nave. Hay historias muy divertidas la verdad pero sobre todo me gusta lo críticas que resultan, porque casi siempre los problemas los ha provocado la propia estupidez de los habitantes del planeta no un desajuste ecológico y este argumento me parece brillante.

Al margen de la crítica a las religiones que impulsan la sobrepoblación Martin hace un interesante uso de sus relatos para hablarnos del desarrollo sostenible y si bien el personaje usa la ingeniería genética para crear las «soluciones» normalmente este tipo de tecnología está en la raíz del problema por lo que no considero que lo defienda sino todo lo contrario.

Es una divertida advertencia de «a ver qué hacéis» con vuestro ecosistema porque os lo podéis cargar pero a la vez no se trata de un ensayo admonitorio sobre el cambio climático o los estragos del hombre en los cultivos sino una serie de metáforas bien llevadas alrededor del tema.

Me gustó mucho y entiendo por qué es una de las obras más citadas de la llamada «primera etapa» de George R.R. Martin. Lo califico como Muy Bueno dentro de la ciencia ficción.

Calificación: Muy bueno

Lo Mejor: El relato «Guardianes»

Lo Peor: La segunda aventura en S’uthlam que es el único relato que llega a aburrirme

Lo Releería: Lo he hecho para reseñar el libro y volvería a hacerlo

Lo Recomiendo: Si, a los fans de la ciencia ficción y también a los fans de Martin para que vean lo bueno que es cuando escribe ciencia ficción

Link al libro en Amazon.es

LOS VIAJES DE TUF (Zeta)

Otros libros que podrían gustarte:

Juego de Tronos – George R.R. Martin (aunque no tiene nada que ver con este libro dicen que es el mejor del autor… discrepo pero bueno).

Aprendiz de Guerrero – Lois McMaster Bujold La saga de Miles Vorkosigan es la que con más éxito se ha dedicado a un «deshace entuertos» espacial diferente, este héroe enano jorobado y deforme destaca por su inteligencia y buen hacer, recomendable.

– Dune – Frank Herbert este libro del maestro de la ecología de ciencia ficción es uno de mis libros preferidos, si no mi libro preferido y aun temo no hacerle justicia al reseñarlo, es denso, profundo y visionario y sobre todo utiliza la ecología cerrada con extremo éxito.

Bonustrack – Video de Sandkings en Más Allá del límite, sé que no está en este recopilatorio de relatos pero seguro que os gusta, lástima que solo lo encontré en inglés el equivalente en castellano se tradujo como «Los arenícolas»

También os dejo el link a Amazon.es a los DVD de la primera temporada de Más allá del límite por si queréis ver en castellano esa joya que es el capítulo doble de los arenícolas

Mas Alla Del Limite (1995-96) 1ª Temp. [DVD]

Bitterblink

3 comentarios

Archivado bajo Aventuras, Ciencia Ficción, Muy bueno

Película – ¡Rompe Ralph!

Rompe Ralph

Rompe Ralph

Reseñado por 0017

Ficha técnica

Año: 2012

Director: Rich Moore

Guión: Phil Johnston, Jennifer Lee

Música: Henry Jackman

Reparto

  • John C. Reilly
  • Sarah Silverman
  • Jack McBrayer
  • Jane Lynch

¿Qué es lo que hacen los videojuegos de un salón recreativo cuando se marchan los clientes y se cierran las puertas? Creíamos que ya nos habían respondido a la pregunta no una, sino tres veces en Toy Story y sus secuelas (y de manera sobresaliente), sólo que en vez de videojuegos, aquéllos eran juguetes en la habitación de un niño. Pero visto los buenos  resultados de la saga de animación de Pixar, no podemos menos que dejar que nos vuelvan a contar la historia por la empresa matriz, Disney.

Y hacemos bien en confiar en la fábrica de sueños, puesto que el resultado vuelve a ser fresco y novedoso, una apuesta segura para dejar que los más pequeños disfruten a nivel primario de la historia mientras que los mayores descubren relecturas más profundas y se diviertan aún más, si cabe, que los primeros.

En este caso Disney, otrora entidad dominante en la animación, perdió dicho estatus cuando su filial Pixar acabó fagocitando a sus jefes, y a punto estuvo de desaparecer cuando la animación digital hizo su aparición a finales de los noventa. Fue precisamente gracias a uno de los creadores de Pixar, John Lasseter, quien evitó el hundimiento de la empresa fundada por el tío Walt, ya que se negó en redondo a que desapareciera esa rama de la animación dibujada a mano (Tiana y el Sapo; Enredados).

En el caso en concreto de ¡Rompe Ralph!, puede parecer que la técnica digital ha ganado definitivamente la batalla y que Disney está empezando a recuperar el terreno perdido frente a Pixar en su propia especialidad, pero si investigamos un poco respecto a las técnicas usadas en la creación de la película vemos cómo el repaso del dibujo a mano todavía ha ocupado una parte importante del proceso creativo.  Para que no quede ninguna duda, el corto que precede a la película –Paperman– es una joya en blanco y negro de animación tradicional con algún toque en 3D, que nos remite directamente a la época de Aladdin, y nos viene a decir que todavía puede haber lugar para la ternura y la poesía en la animación tradicional si se realiza con alma y buen hacer.

El protagonista de la historia es Ralph, un grandullón que trabaja como el malo de la historia rompiendo todo a su paso en el videojuego ¡Rompe Ralph!, un trasunto del popular Donkey Kong y los juegos de Mario. Aquí el álter-ego bonachón es Félix-arregla-todo, quien día tras día se dedica a derrotar al villano y a ganar medallas y la simpatía del resto de habitantes del videojuego. Pero Ralph no está contento con su vida y las antipatías que su trabajo genera, con lo que decide cambiar de videojuego con el trastorno (y el peligro de desenchufar la máquina) que ello conlleva. Tras su paso por un videojuego de guerra llamado Hero’s Duty, acaba en un empalagoso juego de carreras de golosinas llamado Sugar Rush, donde conocerá a la impertinente Vanellope von Schweetz, una marginada participante del juego con la que tendrá más cosas en común de las que él se pensaba…

Como ya he dicho antes, las películas infantiles se hacen pensando cada vez más en la doble lectura de los potenciales espectadores;  decir, los padres y los niños, con lo que se garantiza que los mayores no vayan a ver esta clase de títulos como un mero trámite. En este caso es más que evidente que el mundo de los videojuegos de las recreativas de los últimos treinta años toca directamente la fibra de los padres de nueva generación, que son los que han crecido con este tipo de ocio. Aquí la película gana su primer tanto con la cantidad de guiños a la historia de los videojuegos que podemos ver. Están personajes de videojuegos reales como Street Fighter, Pacman, Sonic, …

Por otro lado, el atractivo fílmico que para los más pequeños pueda suponer las texturas y decorados de la película llega a su punto culminante en la parte que transcurre en el mundo de carreras de coches de gominolas que supone Sugar Rush; toda una delicia visual que, por muy empalagosa que pueda parecerle a los espectadores, le quita de manera subliminal oscuridad a la trama, aportando una personalidad y vida propia a la película. No olvidemos que es eso de lo que se trata, puesto que el primer objetivo de una buena película es que la misma perdure en nuestro imaginario individual después de salir de la sala.

Como segundo objetivo podemos considerar el conseguir una trama consistente y entretenida, hacer que la película avance rápidamente y sin darnos cuenta. Esto también lo logra, puesto que, como en toda buena película de Disney, cuando parece que el argumento se ha encallado con el conflicto inicial del protagonista, es cuando aparecen nuevos personajes y situaciones que le dan un empujón a la trama que la llevan a nuevos niveles temáticos, y es cuando cobra sentido detalles iniciales que habíamos pasado por alto. Puede que ocurra en muchas otras películas de cualquier otro género, pero hay que reconocer la maestría de Disney en manejar este tipo de situaciones a golpe de guión. Entre medias, la dosis habitual de buenrollismo temático que nos hace salir de la sala pensando en ser un poquito mejores. En este caso, ¡Rompe Ralph! nos enseña a aceptar nuestras limitaciones y a usarlas para hacer cosas positivas, y a aprender a ver lo bueno que hay en los demás, por muy diferente que sean las etiquetas que les hayan colgado.

Todo esto se logra gracias a la cantidad de secundarios que tiene la cinta, muy al estilo de Toy Story, donde cada uno tiene su momento/s de gloria y su propia personalidad. Ninguno desentona, todos están en su línea, interpretando el papel que los programadores de cada videojuego les han asignado (genial la agresiva soldado de Hero’s Duty), emocionándonos de una manera que ya quisieran muchos actores reales. Incluso la repelente niña de Sugar Rush, Vanellope, que muchos podrán encontrar cargante, a mí me pareció graciosísima y con un punto de ternura, a pesar de que en algún momento rozaba la escatología impertinente (quizá una de las situaciones menos afortunadas y apropiadas para el público infantil, junto con alguna otra situación como la del zombie en la terapia de villanos con el personaje de Mortal Kombat; en mi opinión, es en estos momentos en los que se aleja de Pixar y se acerca a Dreamworks, en los que sale perdiendo Disney).

En definitiva, un título con el que Disney eleva el listón de los títulos de sus últimos años, llegando casi a la altura de los clásicos instantáneos de Pixar, y estableciéndose como otra referencia a batir por el resto de compañías de animación.

Calificación: Muy buena

Lo Mejor: El personaje de Vanellope; el mundo visual que nos ha creado Disney para nuestro regocijo. La manera de encajar las piezas del puzzle del guión.

Lo Peor: Algún momento de humor burdo con el que intenta hacerse cómplices de los más pequeños.

La vería de nuevo: No (de momento)

La Recomiendo: Lo mejor de animación infantil que puede haber en la cartelera, hasta que Pixar traiga este 2013 la precuela de Monstruos, S.A. Para niños y padres, y sobre todo esos adultos que pasamos de veintimuchos y que hemos crecido con toda clase de generación de videojuegos.

0017

Link a la BSO en Amazon.es

Rompe Ralph (Wreck It Ralph)

Ficha en IMDB: http://www.imdb.es/title/tt1772341/

Tráiler en You Tube (español):

Películas similares: Toy Story, Shrek, Alicia en el País de las Maravillas, Tron

3 comentarios

Archivado bajo Muy bueno, Película - Aventuras, Película - Comedia, Película - Infantil

Película – Mary Poppins (revisión)

mary poppins poster

Reseñado por 0017

Ficha técnica

Año: 1964

Director: Robert Stevenson (Los hijos del capitán Grant, Ahí va ese Bólido, La Bruja Novata)

Guión: Bill Walsh, Don Da Gradi

Música: Richard y Robert Sherman

Basada en los libros de P.L. Travers

Reparto

  • Julie Andrews
  • Dick Van Dyke
  • Karen Dotrice
  • Matthew Garber
  • David Tomlinson

Llevaba tiempo dando vueltas sobre qué película clásica reseñar fuera del mundo de la cartelera actual. Probablemente sea más difícil reseñar una película clásica que una contemporánea, puesto que con las primeras normalmente ya se hayan escrito ríos de tinta. La respuesta me la ha dado la programación navideña de la TV en estas fiestas, puesto que Mary Poppins  es una película que hemos visto en reposiciones catódicas miles de veces, se ha alzado a la categoría de clásico instantáneo, pero nunca nos vendría a la mente como ejemplo en una lista de las mejores películas de la Disney. Y sin embargo, ha envejecido maravillosamente y se ha convertido en una película deliciosa; genial cuando la vimos de niños, perfecta para que nuestros hijos la vuelvan a ver sin preocuparnos de la carga temática, espléndida para revisitarla de adultos.

Pertenece a la etapa álgida de la Disney en los 60. Tras consolidarse con clásicos animados como Blancanieves o Cenicienta, y antes del resurgimiento de los 90 con La Sirenita o El Rey León, el declive del siglo XXI con Hércules y Mulan, y el renacimiento de Pixar en los últimos tiempos. Era una época en la que se atrevieron con películas de actores reales, teniendo mayor o menor fortuna, siendo ésta la joya de la corona. Además, impresionó en la época por mezclar dibujos animados en determinadas secuencias, y los efectos especiales no resultan demasiado sonrojantes para lo que estamos acostumbrados hoy en día (esas transparencias cuando se ordena la habitación con un chasquido de dedos). E incluso, los decorados parecen en algunos momentos sacados de una escenografía teatral.

Pero todo eso da igual. Jamás hemos visto Londres de una manera tan hermosa y poética. No es Dickens, dado que no nos muestra pobreza ni niños esclavizados en una triste ciudad decimonónica, ni falta que hace.  Nos enseña la clase más acomodada de la época, con sus manías y extravagancias, y con una mirada ligeramente irónica sobre el siglo que acababa de comenzar en aquella época (la mujer entusiasmada con su grupo feminista pero sometida al marido; la cuasi-quiebra del Banco de Inglaterra por culpa del malentendido de los dos chiquillos; el vecino retirado de la marina de guerra que no puede adaptarse a la vida civil).

Éstos y algún otro son detalles que los adultos no suelen pasar por alto pero los niños sí, con lo cual la doble mirada típica del cine de Disney que nunca deja de ser entrañable pero también divierte a padres convierte a la factoría de sueños en una marca registrada que garantiza siempre el mejor divertimento y a la vez la mejor educación. Quizás algunas veces la carga de moralina esté excesivamente edulcorada, o se base en el mensaje buenrrollista que cae en el tópico más manido; pero francamente, viendo el mundillo del entretenimiento infantil actual, se agradece este tipo de películas hechas año tras otro y que conserven su vigencia desde 1964, que es el caso que nos ocupa.

Por si hay alguien que no sepa su argumento (lo dudo), lo expongo a continuación. Mary Poppins es la historia de dos niños revoltosos en el seno de una familia acomodada del Londres de principios de siglo. Tras su última travesura -perderse detrás de su cometa y alarmar a su familia- la niñera abandona y proceden a buscar una nueva. El padre, un respetable banquero con todos los tópicos del lord inglés, hace caso omiso de los deseos de los niños sobre su próxima niñera, sin saber que éstos serán oídos punto por punto. La nueva nanny, que responde al nombre que da título a la película, les enseñará a los niños responsabilidad sin perder su esencia soñadora. Con ayuda del divertido Bert, un buscavidas urbano que lo mismo limpia chimeneas que se convierte en hombre orquesta, las aventuras se sucederán en mundos increíbles que van desde la (no) caza del zorro en caballitos de feria, hasta un paseo por los tejados de la ciudad. Un malentendido en una visita al trabajo de su padre, hará que los niños provoquen involuntariamente un caos y el consiguiente despido de su padre.

Todo esto lo que hace es que tanto los niños como su aburrido padre acaben viendo la belleza en la mujer que alimenta las palomas cerca de la catedral (comprendiendo el valor de sólo dos peniques), riéndose del chiste más tonto pero que es capaz de hacernos volar de risa contagiosa, aprendiendo la palabra más larga y difícil que nunca nadie haya inventado (pero que cambiará nuestra forma de visionar los problemas), y disfrutando haciendo volar una cometa en compañía de la familia.

Julie Andrews nunca estuvo tan magnífica interpretando a esta institutriz, ni siquiera con las posteriores Sonrisas y Lágrimas y Cortina Rasgada. Una profesión (niñera británica decimonónica) que normalmente evoca desagrado (incluso pienso en la dentuda Emma Thomson de la reciente La Niñera Mágica) hace Andrews que se eleve a la categoría de mito. No hay más que ver la parte de la ceremonia de apertura de los últimos Juegos Olímpicos de Londres 2012 que homenajeaba a la literatura infantil inglesa con una lluvia de mujeres volando con sus paraguas. Y de hecho, todo aquello que se parodie en Los Simpsons supone que forma parte importante de la cultura popular (y tenemos un episodio enterito dedicado a “Shelly Bobbins”). A la actriz la rechazaron para el papel protagonista de My Fair Lady, que ella bordaba al haber protagonizado el musical, en detrimento de Audrey Herpburn (quien fue doblada en los números musicales). Como compensación Andrews ganó el Óscar ese año mientras que la versión de Pigmalion no fue ni siquiera nominada.

Y nunca he visto una película en la que los números musicales estén tan bien encajados en la trama (que incluso algunas veces podría pecar de inconexa), dándole a ésta consistencia y continuidad. La banda sonora es preciosa sin desdeñar ninguna de las piezas, y la verdad es que Dick Van Dyke ayuda mucho a hacer inolvidables el resto de melodías en las que no participa Julie Andrews. Otro actor que también estaba en el apogeo de su carrera.

El resultado de todo esto es una fábula sobre la esencia de la felicidad, y una crítica hacia la rigidez de la educación severa. Un clásico que todos los niños deberían ver varias veces en su vida, y pasar de generación en generación como si de una receta mágica se tratase.

Calificación: Musical imprescindible

Lo Mejor: El Londres que se ve en esta película no se volverá a ver nunca. Las canciones imperecederas, que aúnan la química de los actores. Es un clásico infantil.

Lo Peor: Nada

La vería de nuevo: Por lo menos una vez al año.

La Recomiendo: Sí. Tenerla cerca para aquellos padres que, de vez en cuando, se harten de los programas infantiles de la televisión.

0017

Ficha en IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0058331/

Tráiler en You Tube:

Películas similares: Peter Pan, La Bruja Novata, Sonrisas y Lágrimas, La Niñera Mágica, Matilda

Libros similares: Este carácter está basado en la obra de P.L. Travers, en concreto: Mary Poppins, Mary Poppins Comes Back, Mary Poppins Opens the Door, Mary Poppins in the Park, Mary Poppins from A-Z.

También: El Jardín Secreto (Frances Hodgson Burnett), Peter Pan (James Matthew Barrie), la serie de libros en los que se basa “La Niñera Mágica”, Nurse Matilda (Christianna Brands)

1 comentario

Archivado bajo Imprescindible, Película - Infantil, Película - Musical

Película – El Hobbit, un viaje inesperado

El-Hobbit_poster

Reseñado por 0017

Ficha técnica

Año: 2012

Director: Peter Jackson (Trilogía El Señor de los Anillos, The Lovely Bones, King Kong, Agárrame esos fantasmas, Criaturas Celestiales)

Guión: Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson, Guillermo del Toro

Basada en el libro “El Hobbit” (J.R. Tolkien)

Música: Howard Shore

Reparto

  • Martin Freeman
  • Ian McKellen
  • Richard Armitage
  • Ken Stott
  • Andy Serkins
  • Hugo Weaving
  • Cate Blanchett
  • Christopher Lee

Mucho se había hecho esperar esta historia previa de los acontecimientos contados en El Señor de los Anillos. Por esa lógica interna que rige los destinos monetarios de los proyectos que se llevan a cabo en Hollywood, la adaptación del Hobbit se ignoró hace unos años y se estrenó directamente la historia cronológicamente posterior escrita por Tolkien. Eso se notó en el nivel de madurez de la obra, puesto que el Señor de los Anillos es una historia épica que narra la lucha eterna entre el bien y el mal, mientras que el Hobbit es un cuento infantil que hace apología de la aventura y de los mundos que hay por descubrir más allá de nuestras fronteras interiores.

Ya pasó en 1977 con la Guerra de las Galaxias. El estudio cinematográfico que financia los sueños de los creadores pasa por alto las historias previas surgidas de la imaginación para centrarse (y con razón la mayoría de las veces) en las historias más jugosas que puedan dar más juego en taquilla. Es así como directamente se rodó el Episodio IV y nos metieron de lleno en una rebelión intergaláctica sin saber (ni falta que hacía) quién era padre de quién ni cuando se pasó al lado oscuro. Estos detalles de intrahistoria son los que enaltecen una película al crear un universo argumental cuya gracia está en imaginarlo implícitamente, más que mostrarlo explícitamente. El pasar de puntillas sobre estos detalles enriquece la trama y el carácter de los personajes.

Sólo cuando un estudio tiene una crisis de ideas acuciante y le puede la avaricia de la taquilla, es cuando vuelve sobre sus pasos y recicla historias ya contadas. En el caso del Hobbit, la gracia hubiera estado en rodarla antes que el Señor de los Anillos, la aventura como preludio de la épica. Pasar de puntillas sobre un anillo que se encuentra por casualidad, plantear a lo largo de varias entregas la importancia de un objeto como icono de la lucha del bien contra el mal, y acabar en clímax in crescendo haciendo desaparecer ese símbolo para siempre.

Es por eso que El Hobbit sabe a poco. Nos deja esa sensación de que es más de lo mismo, de que repite situaciones que nos gustaron anteriormente (vemos otra vez a Elrond, Saruman, Galadriel, Gollum; tiene el buen gusto de mostrarnos a Frodo y a Bilbo tal y como los vimos justo antes de que se formara la Comunidad del Anillo; la banda sonora nos traslada en momentos clave a las películas anteriores), pero que por muchos eventos que ocurran, no van a ser tan relevantes ni tener trascendencia como lo que vendrá después.

Vaya por delante que la trilogía anterior no me apasionó, ni entiendo ese entusiasmo que aunó a crítica y público (por una vez) culminando en una montaña de premios. Me gustó cómo se desarrolló el fenómeno, y me pareció bien su desenlace, pero visto con una cierta distancia crítica, desde la barrera. Reconozco que El Señor de los Anillos tenía una manufactura impecable, personajes carismáticos y una gran historia detrás, pero no me llegó al alma como a la mayoría de espectadores. Mi crítica principal es su excesivo metraje, el querer trasladar a la pantalla todo lo que ocurre en 1000 páginas, y eso no es posible. Son lenguajes artísticos distintos. Complementarios entre sí, pero diferentes en el tempo y ritmo narrativo. Y ese epílogo de El Retorno del Rey de más de tres cuartos de hora después del clímax final, me acabó de rematar.

Como Malosa ya reseñó el libro en su momento, el argumento ya es mayoritariamente conocido. Un hobbit, Bilbo Bolsón, habitante de la Comarca en la Tierra Media, recibe la visita de un mago conocido como Gandalf. Esa misma noche, inesperadamente irrumpen en su casa uno tras otro 13 enanos que se acomodan en su hogar y acaban con sus vituallas, sin saber muy bien porqué, hasta que empiezan a discutir el propósito de su reunión. El motivo es recuperar el antiguo reino perdido de los enanos, que años atrás fue invadido por un dragón atraído por sus inmensas riquezas, expulsando a los legítimos habitantes y condenándolos al destierro. Para el diminuto personaje, la aventura y el enfrentamiento con dragones no forma parte de su modo de vida, pero pronto se arrepiente y decide dar un vuelco a su tranquila existencia y es cuando arranca una historia que parece que no podrá ser contada en el metraje habitual, con lo que, para alegría de los productores, continuará durante dos entregas más.

La película la se ha estrenado en 3D (que es como la vi), con lo que flechas y bolas de fuego volarán hacia la pantalla para justificar el desembolso pecuniario que realizan los espectadores, aunque creo que la podría haber visto en normal sin perderme gran parte de la magia. Lo que no recomiendo para nada es realizar el desembolso adicional que supone verla en 48 fps (frames per second, o fotogramas por segundo, el doble de lo habitual). Una nueva técnica que se supone que aporta más realismo al acercarse a la visión humana, y que permite ver con toda claridad hasta los defectos del maquillaje de los protagonistas. Mi impresión es que toda la película me la pasé con la sensación de que estaba rodada a cámara rápida, como revolucionada (igual que los videos caseros de ataño), e incluso hasta el doblaje de las voces estaba desacompasado. Las opiniones son para todos los gustos (hay quien dice que uno se acaba acostumbrando a los pocos minutos) pero la polémica está servida. Para mí esto desmerece mucho la labor del encargado de la fotografía del filme.

Las interpretaciones las vi algo forzadas, sobre todo en el desigual caso de Martin Freeman, que en algunas escenas parece no saber qué hacer con las manos. En otras ocasiones, sin embargo, lo hace realmente bien al aportar una dignidad a su papel que me gustó mucho, realmente cae simpático. Tanto, que no parece el mismo personaje repelente que luego heredará Ian Holm en las siguientes entregas (a ver si es verdad que el anillo único puede cambiar a las personas… umm…). El Dr Watson de la contemporánea versión de Sherlock Holmes me gusta más como hobbit que el resto de versiones de los habitantes de la Comarca.

Los mejores momentos los encontramos en el inicio de la historia, con flashbacks que narran los sucesos pasados sobre los que se sustentará la trama, al igual que ya hacía Jackson con cada una de las películas de El Señor de los Anillos anteriores. Otra escena reseñable es la de la pelea de acertijos con Gollum, y la lucha de montañas con los protagonistas atrapados en un acantilado. Esta escena, que no estaba en el libro y que proporciona cierta perplejidad a los puristas de Tolkien, supone la culminación de la aventura en estado puro, viendo como nuestros héroes no pueden sino ser meros espectadores de la pelea. Otra licencia que se toma Jackson con respecto a la novela es la de la figura de un nuevo Orco Pálido, visto por la necesidad de rellenar metraje y enemigos adicionales antes de que el dragón Smaug tome un papel más protagonista en las sucesivas secuelas.

Entre los peores momentos encontramos aquellos que están sacados directamente de la novela, como por ejemplo el de las canciones, ya que creo recordar que cada dos páginas los enanos se ponían a cantar como si de un musical en plena Tierra Media se tratase, algo que me enojaba y me hacía perder el interés por la trama de lo que estaba leyendo. Si bien en la película no ocurre más que un par de veces al principio, el temor de que sea algo que se repita con más frecuencia sobrevuela la película.

En resumidas cuentas, esta primera parte del Hobbit nos ofrece un cierto alivio por pensar que podría haber sido peor, aunque sea más de lo mismo pero con un tono más ligero que la anterior trilogía. No nos quita la sensación de relleno artificial para adulterar una ración que se ha convertido por arte de magia en tres, pero tampoco malogra el universo de una historia previamente contada y elevada a la categoría de mito instantáneo (como sí pasó con las trilogías galácticas). Aunque esté totalmente enfocada para los adictos enganchados a la épica de Tolkien que se quedaron huérfanos tras El Retorno del Rey, y que quizá no logre calmar su síndrome de abstinencia por completo.

Calificación: Entre Entretenida y Pasable

Lo Mejor: Volver a este mundo después de tantos años. La introducción inicial ya habitual en Jackson a la historia. El encuentro por primera vez con el anillo que tanta lata dará después, y la pelea de acertijos. La lucha de montañas inédita en la novela.

Lo Peor: Los momentos musicales con las canciones de los enanos. Su metraje excesivo, como en toda la saga.

La vería de nuevo: Espero que no, antes debería volver a ver la anterior trilogía.

Lo Recomiendo: Para fanáticos empedernidos (y no tan empedernidos) de Tolkien. Para el resto, la recomiendo pero con la coletilla “consúmase con moderación bajo su responsabilidad”.

0017

Ficha en IMDB: http://www.imdb.es/title/tt0903624/?ref_=fn_al_tt_1

Tráiler en You Tube (español):

Películas similares: Trilogía anterior del Señor de los Anillos; Éragon; Harry Potter y la Piedra Filosofal; Harry Potter y el prisionero de Ázkaban; Las Crónicas de Narnia; Las Crónicas de Spyderwick; Willow; La Historia Interminable; Legend… La verdad es que las adaptaciones de Tolkien por Peter Jackson representan la cima del género, que en los 80 tenía buenos representantes y que después sólo ha conocido malas imitaciones.

Libros similares: Básicamente todas las películas que he nombrado en el apartado anterior están basadas en libros (y comentadas en el blog). Los dragones de Éragon y sus continuaciones (Eldest, Brisingr y Legado), de Christopher Paolini. Las 4 partes de Las Crónicas de Narnia (El león, la bruja y el armarioEl príncipe CaspianLa travesía del viajero del albaLa silla de plata), de C.S. Lewis. Las sagas de Harry Potter (Harry Potter y la piedra filosofalHarry Potter y la cámara secretaHarry Potter y el prisionero de AzkabánHarry Potter y el cáliz de fuegoHarry Potter y la orden del FénixHarry Potter y el misterio del príncipeHarry Potter y las reliquias de la muerte), de J.K.Rowling. La Historia Interminable (Michael Ende). Las crónicas de Spiderwick,  por Tony DiTerlizzi y Holly Black.

8 comentarios

Archivado bajo Entretenido, Pasable, Película - Aventuras